La presentación de este tema en la radio me abruma. La locutora menciona más de cinco referencias distintas, del soul al disco y de la psicodelia francesa al rock, y una no sabe qué esperar. Una base estable, imparable, un patrón que se repite una y otra vez. Capas de voces que se superponen y una suerte de despertador, que no sabes si anda encima o debajo de la textura densa. Y un coro que repite una y otra vez: you gotta get yourself together, concéntrate, mantente tranquilo, enmedio del ruido aparente y ordenado. El despertador desaparece y la voz de Noel canta I keep holding up, sigo manteniéndome. La dichosa campanilla vuelve al final de la canción. Una canción hecha de resistencias, de ruido que no lo es, que precisa de perspectiva. Curioso, acabo de descubrir que a esta canción le acompaña un subtítulo, It’s a beautiful world -es un mundo maravilloso-. Supongo que, como siempre, las canciones le llegan a una en el momento adecuado.
Fort Knox es la nueva entrega del próximo disco de Noel Gallagher’s High Flying Birds, Who built the moon?, y ya puede escucharse en Spotify, además de en programas molones como el 180 grados, de Virginia Díaz, en Radio3.
Lo nuevo de The New Raemonsorprende desde el primer corte. En esta Libre Asociación, editado por B-Core, el sonido de Ramon Rodríguez ha ido más allá de las líneas propuestas en ese EP imprescindible que fue Cuaresma o en Epés Reunidos, volviendo a ambientes más introspectivos, que quizás podríamos a primera escucha, relacionar con su etapa en Madee. Se presenta pues, un conjunto de canciones intensas como la que abre el álbum, Lo bello y lo bestia, con arreglos que, si bien son más duros de lo acostumbrado, encajan perfectamente en la atmósfera de tonos pop casi épicos que encontramos también en otros títulos como El verdugo, Soñar la muerte o La vida regalada.
Así pues, podríamos optar por mojarnos y afirmar que Libre Asociación es, si bien no un álbum continuista, uno de los más trabajados y completos de The New Raemon por tres razones: por su buena producción y sonido, que moldean la atmósfera del álbum hasta darle un toque nuevo y distinto; por su buena ejecución, con una voz agradable e intensa en su justa medida, además de un acompañamiento preciso, y por último, por sus canciones. Letras incisivas y justas, con melodías y armonías que las amplifican y que consiguen que hacer que The New Raemon suene renovado y esencial al mismo tiempo.
"Catedrales" es la carta de presentación de Atleta, un grupo de rock onírico instrumental que pese a estrenarse como dúo, ya son bastantes los años que llevan rodando en la escena musical más alternativa, en grupos como 12twelve. Charlamos con ellos...
El rock instrumental es una apuesta arriesgada, y ya sois veteranos en ella, es vuestro medio. ¿Por qué? ¿Qué os aporta frente a otras opciones musicales?
Jose y yo llevamos tocando como 15 años. Nos iniciamos en los caminos de la música más allá del pop y los estribillos desde que nos conocimos. Podemos improvisar horas, perdernos, volver, subir, bajar y sobretodo entrar en trance. Es nuestra manera de entender la música. Desde luego, como absolutos melómanos nos gusta muchos tipos de música, siempre con entrañas, y por consiguiente también hemos probado a cantar. 12twelve comenzamos cantando y hace unos años creamos un proyecto, Bélmez, en onda rock americano catártico cantando en castellano. Lo que nos ocurrió fué que el formato de canción cerrada, con estribillos, un hilo conductor que es la voz, las letras, etc nos encorsetaban a la hora de tocar. Eso de llegar al ensayo con toda una canción hecha, con sus vueltas, cambios y demás no nos dejaba explorar las texturas, los ambientes y las hipnosis como siempre habíamos defendido. Así que volvimos a nuestro formato más basado e la improvisación como fuente compositiva entre los dos. A veces uno llega con algo pero al final cada uno interactua con el otro para crear las canciones de manera muy democrática. Además el hecho de ser un dúo es genial para la compenetración.
¿Cuáles son las principales influencias que sintetiza este primer largo, “Catedrales”?
Las influencias digamos teóricas son más o menos las de siempre:Morricone, Moroder, Miles Davis, Harmonia, Neu!, David Axelrod, Jean Claude Vannier, Can, Cluster, Kraftwerk, Zombi, Broadcast, Tim Blake, Heldon...
A nivel práctico se nos ha abierto un campo increíble con la incorporación de sintetizadores, samplers y composición en el laptop. Es alucinante tocar instrumentos que antes no habíamos tocado, crear una banda con líneas pregrabadas en loops y samplers, volver a empezar de cero y apañarnos con lo que tenemos. Es realmente volver a empezar a tocar. Esto puede hacerse muy lejano o planteartelo como un reto y aprender cosas nuevas cada dia. De ahí sale Atleta.
¿Qué hay del proceso de creación? ¿Cómo han surgido y se han perfilado los cortes del disco?
Siempre partimos de improvisaciones que grabamos, escuchamos y despues organizamos para crear piezas. Nos encanta dejar partes más abiertas para improvisar y así hacer que cada tema sea diferente cada vez que lo tocamos. Al público también le encanta eso, lo convierte en algo muy orgánico y en constante evolución.
A nivel personal, 15 años son muchos años haciendo música juntos. ¿Era AtletA, como proyecto de dúo, una tarea pendiente?
Pues posiblemente hacía mucho tiempo que nos andaba en la cabeza hacer algo los dos, puramente. Jose y yo siempre hemos interactuado de manera casi esotérica, en 12twelve eso nos trajo alguna complicación, es cierto. Y pienso que no lo habíamos hecho antes por tener proyectos vivos que nos quitaban tiempo, pero también porque es ahora cuando empezamos a sentirnos cómodos con el uso de máquinas y nos encanta aprender cada día de ellas.
¿Algún consejo para un recién llegado a vuestra música?
La única recomendación sería cerrar los ojos y dejarte llevar. Entonces es cuando empiezas a ver imágenes y después incluso te puedes poner a bailar casi sin querer, posiblemente de forma tribal e incontrolada.
¿Cómo valoraríais la acogida que está teniendo vuestro trabajo en los medios? ¿Y en el público?
La prensa nos ha recibido muy bien, no esperabamos tanta calidez. Se nota mucho el respeto que 12twelve había generado y parece que Catedrales ha cubierto las expectativas de cierto sector de público que quiere algo más que lo que le da el pop puro y duro.
Lo que esta realmente duro es el tema conciertos. La crisis ha generado una falta de recursos preocupante. Muchos amigos nuestros han tenido que bajar sus cachés muchísimo y es cada vez más dificil cerrar conciertos en condiciones. Las cosas se estan poniendo muy feas y no parece que vayan a mejorar mucho. Ya se sabe que cuando no hay dinero lo primero que se resiente es la cultura y eso nos depara un futuro bastante gris, por lo menos en cuanto a oportunidad de dar cabida a propuestas diferentes.
La primera consecuencia es que parece ser que si no haces pop o canciones fáciles de digerir lo tienes negro. Por otro lado también pienso que comenzará a haber gente que monte grupos con el fin, noble y necesario, de hacer la música que quieran porque saben que no podran comer de ello. A ver qué ocurre. Por lo que respecta a nosotros, hemos malvivido de la música con 12, y nos encantaría volver a hacerlo pero se ve complicado, así que parece que nos toca seguir con la batalla de los grupos que hacemos música aparte del mainstream o ese pseudo mainstream que es el mal llamado indie.
¿Os gustaría que se tratase de un proyecto de largo recorrido? ¿Qué ideas guardáis para el futuro más próximo?
Jose y yo siempre tocaremos juntos. Hemos pasado de todo, gloria, fracaso y todo lo que queda enmedio. Y nos seguimos divirtiendo como el primer día que tocamos juntos, es genial tener esa suerte, la verdad. Estamos preparando el segundo disco que de momento tiene temas con títulos como "Brazo luminoso", "Fe", "Atenas", "Manchuria" y "Telepatía habitual" (¡esto es primicia!).Y también andamos preparando una gira para después de verano y pendientes de algunos festivales, como todo hijo de vecino que se dedique a esta locura que es la música.
Y ahora… ¡el test!
Una canción u obra que os gustaría haber firmado: Songs of innocence deDavid Axelrod
Un lugar para perderse: Una tienda de discos (Amoeba music de San Francisco, no está nada mal....)
Un superhéroe: Daredevil
Una película inspiradora: 2001, odisea en el espacio
El directo es...la razón de ser de la música
Estadio, teatro o sala:Los tres tienen sus encantos
Un sueño por cumplir:Tocar cada semana en un país diferente.
No recuerdo donde leí que Roxette siempre había sido un grupo que parecía haber triunfado con algunos años de retraso. Que habían sido un grupo de los ochenta que triunfó en los noventa. Quizás tuvieran razón y el estilo de Per Gessle y Marie Friedriksson no se haya caracterizado demasiado por su vanguardismo y originalidad, pero está claro entonces que son otros sus puntos fuertes. Así, tras toda la odisea personal de los suecos en estos últimos tiempos, el lanzamiento de nuevo material tras 10 años desde su último trabajo, se esperaba con especial ilusión pese a saber casi de antemano, que no sería el álbum pop que marcaría tendencia los próximos meses.
Y ni lo es, ni se pretende. Este Charm School simplemente suena a Roxette sin aditivos: un single impecable como Radio (con esa letra que no podemos evitar que nos recuerde al Suck my kiss de RHCP), baladas en las que la voz de Marie sigue sonando como siempre lo hizo, como es el caso de No one makes it on her own, y temas en los que Per demuestra ese lado propio, como Way Out y Only when I dream, su manera de entender un pop enérgico sin el que Roxette no sería lo que fue y sigue siendo: un grupo de pop con buenas melodías, buenas voces y un punto de positividad que los que seguimos disfrutando de Joyride o Crash Boom Bang, seguimos agradeciendo.
En definitiva, quizás no sea el mejor disco del grupo. De acuerdo. Pero lo cierto y más importante es que sigue sonando a Roxette, y muchos de sus temas despiertan la nostalgia pero también la sonrisa. Así pues, prueba superada.
Parece casi imposible que algún sonido siga sorprendiendo a nuestros oídos en los tiempos que corren. Pero, de golpe conocemos a Fuel Fandango y confirmamos que, en lo que a música se refiere, ni mucho menos está todo inventado. Este grupo, centrado en hacer, como ellos mismos definen "canciones orgánicas de baile", fusiona influencias anglosajonas, europeas y sureñas con una facilidad pasmosa. A ello contribuyen los perfiles de sus integrantes, Nita y Ale Acosta: ella cantante formada en el mundo de la copla y el flamenco, él procedente de la banda Mojo Project, productor que ha trabajado con nombres como Enrique Morente, Buika, Chambao o Muchachito. Acaban de publicar su disco de debut como Fuel Fandango, y les hemos querido preguntar algunas cosas. Y sobretodo, imprescindible el vídeo adjunto a esta entrevista: "Shiny Soul" en directo en Reno Studios (Madrid).
La historia de Fuel Fandango: ¿cómo Ale encontró a Nita? ¿O más bien fue al revés? ¿Cómo se gesta este proyecto?
Pues nos encontramos por casualidad ya que Ale venía mucho por Córdoba a pinchar desde hace ya algunos años y resultó que teníamos muy buenos amigos comunes. Nos conocimos hace ya tres años y fue inevitable hacer música.
Los sonidos de vuestro primer álbum son sorprendentes por su variedad, ¿de qué fuente bebe Fuel Fandango?
Pues de fuentes insospechadas, la verdad que tenemos unos gustos muy dispares los dos. Desde lo más puro hasta lo más ecléctico.
La primera impresión que uno tiene al escuchar el disco es que en directo puede ser una bomba de relojería y parece que las críticas así lo confirman. ¿Cómo vivís vosotros la experiencia del concierto?
Pues para nosotros el directo es primordial. Es lo que más nos llena, sobretodo por la energía que se desprende en el escenario.
El soporte de la banda es imprescindible. ¿Qué nos contáis de los que os acompañan en la aventura?
Pues en directo vamos acompañados por Carlos Sosa, un pedazo de batería de las Palmas de Gran Canaria. Es un placer contar con el en este proyecto ya que se ha involucrado tremendamente en nuestra música, entiende el concepto a la perfección y nos sentimos muy seguros en el escenario.
¿Cantar en inglés igual a vocación internacional?
Cantamos en inglés porque nos parece que es un idioma con una musicalidad inmensa y que es el más adecuado para lo que hacemos. Lo mezclamos con el español en las partes más flamencas ya que es mi raíz, y por supuesto nuestra intención es que sea un proyecto de nuestra tierra pero tambien internacional.
Nita, tu voz es impresionante. ¿El sonido flamenco y de copla del que provienes qué tal se lleva con el funk?
Se lleva mu bien! Siempre he cantado de todo desde chiquita con la copla y el flamenco que me ha acompañado hasta ahora, pero también he hecho muchos otros estilos como el jazz o el funk. Ahora mezclo todo lo que he aprendido durante estos años de la mejor manera que sé!!!
En los próximos meses, ¿cuales serían vuestros deseos para Fuel Fandango?
Pues seguir como hasta ahora…
Y ahora... ¡el test!
Una canción que os gustaría haber firmado. Hallelujah de Leonard Cohen
Un lugar para perderse. Tailandia
Un superhéroe. Nuestros padres
Una película inspiradora. Más allá de los sueños
Un directo es… Puro Fuego!
Estadio, teatro o sala: Teatro pero tendremos que tocar más bajito…
Un sueño por cumplir: Vivir toda nuestra vida haciendo lo que más nos gusta!!
PD: Añadimos que el concierto previsto por la banda en el Festival In-Somni de Barcelona este fin de semana ha quedado cancelado por motivos ajenos a la voluntad del grupo. ¡Les esperamos pronto por aquí!
Christina es veterana pero sus trabajos suenan frescos y vivos como nunca. Tu labio superior, su anterior trabajo, vio la luz en 2008, y los medios pero sobretodo el público lo recibió como agua de Mayo. Algo así sucede con este recién estrenado disco, La joven Dolores, que en esta ocasión está cantado (y contado) íntegramente en castellano. Su título no es casual: el conjunto de canciones está impregnado por un tinte nostálgico, que salta hacia atrás, hacia playas y otros escondites. Hacia historias personales con barcos e islas. Este ambiente se palpa claro en títulos como Jorge y yo.
Y es que la lírica es uno de los puntos fuertes de Rosenvinge. Con influencias declaradamente femeninas como Alejandra Pizarnik o Anne Sexton, las letras tratan múltiples puntos de vista del amor, basándose incluso en historia antigua y mitología para escribirlas, como contaba en esta interesante entrevista. Así, dentro de su estilo lánguido y fundente, este disco sigue presentando letras susurrantes y trabajadas, evocadoras y provocativas.
Respecto al ritmo del álbum, se trata de un disco tranquilo y lineal, que da comienzo con una suave Canción del eco y va animándose ligeramente a medida que avanza. Entre ellos se encuentra el single con que ha presentado este álbum, Mi vida bajo el agua, uno de aquellos temas que a la primera escucha parecen adherirse a nuestro córtex para no salir de ahí. Pese a echar de menos algún corte más al estilo incorrecto de Tu boca o Negro cinturón, (por referir alguno de sus temas más recientes) el resultado final de esta joven Dolores es agradable y completo, manteniéndose fiel al estilo de Christina. ¿Y no era sino eso lo que esperábamos?
El invierno también puede ser un buen tiempo para escuchar a música de autor. Cierto es que muchas veces quizás nos apetece más algo de música densa y urbana para lidiar con estos fríos, aunque tampoco está de más un poco de introspección. Y es ahí donde entra esta cuarta entrega deIron & Wine, o lo que es lo mismo, el proyecto del estadounidense Sam Beam. Bajo el título Kiss each other clean, presenta un conjunto de temas que trascienden la barrera del folk de cantautor, y se adentran en terrenos como el pop e incluso el funky. Las influencias en la música de Iron & Wine son palpables. Son ideas con sabor añejo pero con un sonido plenamente actual. ¿Referencias? Simon & Garfunkel o Neil Young están presentes casi a perpetuidad, aunque, ¿somos los únicos a los que la voz timbrada de Beam les recuerda en ocasiones al más suave Michael Jackson?
Repasando más concretamente los temas que componen este nuevo álbum, podríamos su inicio melódico con Walking far from home, tema que se desarrolla a lo largo de sus casi cinco minutos de duración de manera creciente, añadiendo base rítmica, coros y arreglos que lo dotan de una intensidad particular. Con Me & Lazarus nos sigue mostrando el camino abierto a estilos distintos que se intuía en el primer corte, volviendo a aires más clásicos con Three by the river. De ahí en adelante se sucede el juego e intercambio de estilos, Big burned hand, o Your fake name is enough for me, que cierra el álbum, son prueba de ello.
En definitiva, parece claro que quedan lejos los días de arreglos, podríamos decir, minimalistas, de sus primeros tiempos, ya que, si bien los últimos trabajos de Iron & Wine ya contaban con el respaldo de una banda y un sonido más producido, este Kiss each other clean va más allá, proponiendo casi una fusión de estilos enmarcada en un estilo propio ineludible. Y es que en invierno siempre va bien recordar la primavera.
En ocasiones sucede que tras un primer álbum que nos entusiasma, llega un segundo. Y nos gusta. Bien sabemos que no es siempre así, pero este "Ritual", segunda entrega de los británicos White Lies, cumple con las expectativas.
Pese a que no es un álbum de fácil digestión a primera escucha, los chicos de Harry McVeigh, consiguen firmar un conjunto de 12 canciones que no pierden un ápice de aquello que les dio a conocer: un sonido denso, oscuro y urbano, esencialmente inglés, que nos devuelve a la memoria a grandes nombres como Joy Division o The Smiths.
Pese a todo, "Ritual" no es simplemente una prolongación de aquel primer "To lose My life", con las ventajas o inconvenientes que eso conlleve, según el gusto de cada uno. Han sido dos años de distancia entre ambos trabajos lo que probablemente les haya hecho incorporar muevas bases más limpias o incluso cercanas a la música de baile (los cortes Is love o Strangers son prueba de ello). También encontramos sonidos con reminiscencias ochenteras, Holy Ghost, o incluso aires que con menos electrónica y más bombo y guitarreo, no quedarían fuera de lugar en un álbum de algún grupo mas cercano al hardrock o incluso al heavy (véase Bad Love).
De cualquier modo, lo que es indudable es que, pese a la ausencia de algún hit más directo al estilo de aquel Farewell To the Fairground, este álbum combina rock, electrónica y emotividad a partes iguales. Ahora solo nos queda esperar hasta su próximo concierto.
Y de una gran voz femenina saltamos a otra, aunque en este caso en un género distinto. Dedicamos nuestra entrada de hoy al nuevo álbum de la revelación irlandesa Imelda May, que con su rockabilly actualizado consiguió con "Love Tattoo" (su álbum de debut publicado en 2008) llamar la atención de medio mundo, a juzgar por sus apariciones públicas en los medios y su presencia en gran número de festivales.
Como siempre en estos casos en que la primera entrega es tan destacada, el propio artista lo tiene difícil para superarse a sí mismo, puesto que las expectativas son muy altas. "Mayhem", que así se llama lo nuevo de May, llega además, por sorpresa: su lanzamiento no se esperaba hasta mediados de este mes y justamente lo hemos descubierto en Spotify! Así pues, desde Libertad Sonora nos disponemos a exprimirlo en palabras.
El single "Psycho", disponible desde antes de verano, nos daba ya alguna pista: si en "Love Tattoo" encontrábamos prácticamente la reproducción de uno de sus directos (aunque con la frialdad propia de las grabaciones de estudio), en su nuevo álbum la cosa cambia. Estamos ante un trabajo más producido: la base instrumental aumenta en varios de los temas con la incorporación de sección de viento, alguna que otra cuerda y otros instrumentos tales como el ukelele; además de múltiples planos de Imelda, en coros al más puro estilo fifties.
Por lo que a los temas incluidos respecta, llama la atención "Pulling the Rug", el primer corte del álbum, hecho a imagen y semejanza del gran "Johnny got a boom boom" de su anterior trabajo, pero como suele pasar cuando se busca repetir un éxito, uno acaba prefiriendo la versión original. A parte de esta anécdota que cabría calificar incluso como desliz, ha incorporado bastantes de los temas que ya solían aparecer en sus directos, como "All for you", "Proud and humble" o su versión del ya clásico de los ochenta "Tainted Love". ¿El resto? Canciones más melancólicas como "Too sad to cry", más folkies, como "Kentish Town Waltz" y otras con vocación de single, como el ya mencionado "Psycho" o el que le da título al álbum, "Mayhem".
En definitiva, un trabajo quizás más irregular en ritmo interno que su primer álbum, pero que sigue mostrando, aunque con un sonido más depurado, el gran potencial que tienen tanto la irlandesa como su banda; la cual por otra parte resulta imprescindible. Seguimos esperando su próximo paso por Barcelona: ahí, sin adornos, es donde podremos de nuevo disfrutar de la calidad y entrega del proyecto de Imelda May.
Recién anunciada la salida de este segundo álbum de la soprano finlandesa Tarja Turunen, en su etapa en solitario tras su época pasada en Nightwish, nos disponemos a oírlo. Su primera entrega fue un tanto decepcionante, su potencial vocal no acababa de definirse en un género. Se rodeó de grandes músicos, pero los temas no eran claros en sus estructuras y oscilaban a medio camino entre el metal, el new age y las atmósferas de bandas sonoras. De cualquier modo, sólo por su gran calidad vocal, decidimos atacar esta nueva entrega: "What lies beneath".
Y cuál es nuestra (grata) sorpresa, cuando descubrimos que la indefinición y los claroscuros de su primera entrega han sido ampliamente superados. Establece su sonido y nos deja claras cuáles son sus cartas: melodías interesantes, sorpresas armónicas, arreglos orquestales y coros para apoyar su voz, el mayor valor que posee. En este disco, Tarja apuesta por el metal sin reservas, la esfera donde el público más la aprecia, y ofrece once temas que no hemos tenido más remedio que analizar uno por uno.
1. Anteroom of Death w. Van Canto: Su introducción, la paertura del disco, nos sorprende. Alguien entra y se sienta a un clave, afinación. Empieza el tema con un estilo barroquizante y acústico, pero la entrada del estribillo nos coge desprevenidos: tempo contrastante y armonías inesperadas, pero solo por un momento. La estrofa crece al incorporarse la base rítmica de la banda. Vuelta al estribillo, que sigue desconcertando, pero ya nos hace querer volver a oírlo. Aparece entonces un puente con unas vocalizaciones al más puro estilo Tarja, ya sabemos donde estamos. Y de golpe, austeridad y entrada del conjunto vocal metal Van Canto: reminiscencias de power metal y de la intensidad épica que este género comporta culminando en la nueva entrada de la banda. Absolutamente impresionante, y aún más, al entrar las vocalizaciones de Tarja. Y de nuevo el estribillo, más intenso que nunca, hasta el final del tema. Original, arriesgado y acertado. La primera, en la frente.
2. Until my last breath: Más convencional, nos da un respiro tras el primer corte. Con una melodía introductoria pegadiza y una base potente, presenta una estructura muy clara y posee un estribillo pegadizo, propio de muchas bandas de la zona. Single absoluto.
3. I feel inmortal: balada que desde el principio promete intensidad, con todo y que la instrumentación y arreglos no son los típicos del género "oscuro", sino que cuentan con atmósferas amplias que recuerdan más a la new age. El diseño melódico del estribillo solo pueden permitírselo voces como la suya, y pese a la sorpresa inicial, resulta ser emocionante. Uno de los cortes más expresivos del álbum.
4. In for a kill: según ella describía, “su tema para película de James Bond”. Aparecen los bajos marcados y rítmicos desde el principio, y el estribillo nos ofrece uno de los highlights de la voz de Tarja, que aunque con una resolución un tanto difusa debido al gran vibrato utilizado, merece la pena sin dudarlo. Interludio orquestal que inevitablemente nos recuerda a Nightwish: pero somos de la opinión, que por buen motivo, siempre es bueno recordar los buenos momentos. Tema indiscutible.
5. Underneath: bajamos la adrenalina con la segunda balada. Melancólica y con tintes cinematográficos, nos sigue demostrando la versatilidad de esta gran vocalista, que puede presentarse dulce y pequeña o grande y poderosa, con una emisión impecable. Solo de guitarra que siempre se agradece a los que nos gusta el metal clásico y final a lo grande, para cerrar quedamente con un acorde mayor esperanzador desarrollado por la orquesta.
6. Little lies: guitarras potentes con un riff marcado que recuerda a bandas como Rammstein, y que pronto se transforma en una línea de bajo más que interesante. Estribillo más convencional seguido de coros a los que se incorpora el riff de entrada. Así, un tema interesante, que juega con coros, los riffs más duros que ha presentado hasta el momento y una melodía simple y pegadiza, ejecutada con un timbre limpio y directo. ¿Suena paranoico si le encontramos un toque vampírico?
7. Rivers of lust: Presentación austera del tema, con melodías líricas que de nuevo hacen lucirse a Tarja y un crescendo textural en el centro, para cerrar otra vez quedamente. Un acierto en el ritmo del disco.
8. Dark Star w. Phil Labonte. Y ahora toques orientalizantes y una distorsión fascinante en la guitarra. Y sorpresa, un toque electrónico en las bases que le sienta de maravilla. Nuevamente un tema convencional en el diseño, aunque la voz rasposa de Phil Labonte aporta un toque de novedad al álbum y al contrastar con Tarja produce un gran efecto.
9. Falling awake w. Joe Satriani. Los créditos del tema dan buenas expectativas y es que el single elegido para presentar este álbum es redondo. Buena base, buena melodía, suficientemente original para dar buena impresión, pero sin pasarse en las rarezas. El toque de calidad Satriani, sin comentarios. Uno de los temas más destacados del álbum en todos los sentidos: no hemos podido hacer una sola escucha sin acabar con un headbanging.
10. The archive of lost dreams: A capella para empezar y acompañamiento a lo new age, y por contraste con lo anterior, nos deshace. Un respiro.
11. Crimson Deep w. Will Calhoun: Y el cierre del disco no podía ser más espectacular. Si ya el acompañamiento de Doug Wimbish al bajo era impresionante, incorporarle a su compañero batería en Living Colour,Will Calhoun, le otorga una profundidad y una pegada a este tema que ya quisieran muchos. Impresionante sonoridad para un cierre de lujo.
Las altas temperaturas parece que a nuestro cuerpo sólo le pidan descano. Nuestra actividad desciende, en la medida en que nuestras obligaciones nos lo permiten, acoplando nuestro ritmo natural al ritmo propio de la estación. Suponemos que debe ser por eso que en estos días calurosos, nuestros oídos piden algo que vaya en consonancia, que estimule, pero que no aturda, que nos deje respirar.
Y ese es el caso del grupo que os presentamos hoy. Barcelona es su punto de partida, y respecto a su estilo, ellos mismos lo definen como una mezcla entre rock y electrónica; nosotros lo refrendamos con su propio nombre: "El arte de volar". Elegancia y buen hacer es lo que se transluce en su trabajo de presentación: Posible repertorio en estructura piramidal. Cortes como "Nos vamos" o "Facer nada" son pequeñas joyas de letras trabajadas y evocadoras, que las voces de Sandra de Victoria y Koke Alejo se encargan de relatar sin agobios ni prisas, de manera limpia y deslizante.
Por nuestra parte no podemos más que emplazaros a que echéis un vistazo a su página web oficial, donde podréis descargar de manera gratuita su álbum de presentación. Antes de terminar, hacer una mención a sus directos, donde el grupo se presenta acompañado de audiovisuales expresamente creados para la ocasión. Os dejamos con uno de ellos, "Facer Nada". Que lo disfrutéis, viviendo lento.
Las expectativas eran altas. Con Cronolánea, los chicos de Loja habían dejado el listón muy alto. Y es que su anterior trabajo, publicado en 2008, contaba con un sonido característico y propio, además de tener una fluidez de ritmo envidiable a lo largo de todo el álbum. En estas circunstancias, lo más lógico y previsible hubiera sido que los granadinos hubiesen seguido una línea de continuidad con su nuevo lanzamiento, profundizando en la fórmula que tan bien les había funcionado.
Pero Lori Meyers han ido más allá. Con voluntad de seguir evolucionando, acaban de presentar Cuando el destino nos alcance, un álbum con 11 canciones que con Mi Realidad como carta de presentación, han roto los esquemas y expectativas que pudiéramos tener en mente. Las reacciones iniciales al single fueron, en su mayoría, de desconcierto. Críticas para todos los gustos se podían leer en las redes sociales. Sin embargo, con el disco completo a nuestro alcance, podemos establecer dos cosas.
La primera, los Lori se han arriesgado, y han publicado un álbum distinto a todo lo que habían hecho hasta el momento. Precisamente por esto, son necesarias algunas escuchas para empezar a entrar en este laberinto: cada canción es un mundo, una sensación, un sonido distinto.
La segunda cosa es que les ha salido bien. Los nuevos temas son más que interesantes; y lo que es más importante, no han perdido la esencia del grupo, que quizás algún día sepamos donde se encuentra. Quizás en la particular voz de Noni, quizás en sus melodías o en sus potentes bases que destilan pop y rock a partes iguales. Aunque bien pensado, quizás la quintaesencia se halle precisamente en ser Lori Meyers: siempre ellos y siempre nuevos.
Estos granadinos, que con Cronolánea (2008) consiguieron dejar boquiabierto a más de uno, dan cuenta de su actividad con cuentagotas. A través de su web oficial y sus mensajes en diversas redes sociales, vamos conformando la idea de lo que será su próximo álbum, en cuya producción se hallan immersos en este momento.
[caption id="attachment_658" align="aligncenter" width="432" caption="Lori Meyers, en directo desde Los Angeles"][/caption]
Cuando el destino nos alcance, que será el cuarto trabajo en el haber de la banda, se ha gestado en Loja Sound (Granada), pero su producción se ha llevado a cabo en Los Angeles (California), de la mano del productor argentino Sebastian Krys, en Oaks Studio. Ya están de vuelta, y prometen que este nuevo trabajo será, como mínimo, sorprendente, en "el que los teclados y la electrónica tendrán un peso mayor que en álbumes anteriores".
¿Y ahora? Pues toca esperar. Ya negocian su próxima gira, y no podemos más que tener grandes expectativas respecto al que ellos mismos consideran su mejor álbum hasta el momento. Y para los que no podáis esperar... un vídeo con momentos del proceso de grabación en L.A.
Los zaragozanos Tachenkonos habían dejado buen sabor de boca habían dejado con su último álbum "Esta vida pide otra" (Limbo Starr). ¿En qué andan ahora? Donde queríamos verles, en el estudio, preparando su próximo trabajo. Éste llevará el nombre de "Os reís porque sois jóvenes" y también estará editado por Limbo Starr. La grabación corre a cargo de Edu Baos, las mezclas de Alfonso Ródenas y el master final recae en Joe Gastwirt.
Y lo mejor de todo. Los chicos de "Hacia el huracán" nos regalan su primer single, "Escapatoria". Y parece que la cosa promete. Si bien sus anteriores trabajos pecaban quizás por imperfectos, este single se presenta como un tema bien grabado, bien producido y más que pegadizo. Los Tachenko dan un paso más, y esperamos ansiosos la salida de este próximo álbum, que podría suponer su salto a circuitos de distribución más amplios.
Mientras tanto, aquí tenéis el enlace a "Escapatoria". Que lo disfrutéis!
Está en todas partes. Con dos discos publicados (y descargables en su web) ha conseguido cosechar críticas tan destacadas como el mejor disco del año 2008 según Rockdelux, o ser uno de los invitados habituales de los festivales pop del momento. Ahora, a punto de hacer público su tercer álbum, Chill Out, aparece en portada de Mondosonoro, destacado en EP3, y en infinidad de medios más vinculados al mundo indie. Pero... ¿quién es Joe Crepúsculo?
[caption id="" align="aligncenter" width="360" caption="Imagen promocional de su nuevo álbum, "Chill Out""][/caption]
Este personaje, cuyo nombre real es Joël Iriarte, se autodescribe como "trobador tecno" y presenta temas con bases electrónicas "domésticas" y voces de apariencia descuidada. Las letras son uno de los puntos donde se más apoyan sus defensores, que las consideran "absolutamente bizarras, entre lo mundano y la filosofía de bolsillo". ¿Porqué "defensores"? Porque Joe Crepúsculo no deja indiferente. Para algunos, nuevo icono del pop más surrealista, de lírica ácida y visionaria; para otros, mera moda momentánea que usa lo "kitsch" como bandera.
A continuación os dejamos su nuevo single, "Toda esta energía", y el link a su myspace. Y ahora, que cada uno decida con su propio criterio. ¡Feliz reflexión!
Primero fue “Fascinado”. Una primera entrega en castellano (tercera en su producción), críptica y densa, aunque no por ello despreciable, aparecida en el año 2005. Dos años más tarde se presentó “Costa Azul”: una verdadera joya del pop, con una producción impecable y temas que no dejaban indiferente. Ahora ha llegado el momento de enfrentarse seriamente a “El Incendio”, nuevo trabajo de Sidonie.
Aunque quizás "enfrentarse" no sería el verbo más adecuado para referirse a un álbum que de entrada llama la atención por la facilidad con que se deslizan los temas a lo largo del disco. Su entrada no podía ser mejor: los de Barcelona abren con "El Incendio", el single homónimo que desde hace algunas semanas nos ha costado Dios y ayuda sacarnos de la cabeza, con uno de los estribillos más potentes y pegadizos del conjunto de temas que componen el álbum. Tras esta descarga inicial de energía llega “La Sombra”, un tema de pop claro pero sin perder contundencia, con una importante presencia de coros, y que deja intuir a través del sonido de sus guitarras una de las influencias que estará presente a lo largo del álbum: la del rock más clásico y sureño americano. Pero no nos precipitemos.
Seguimos adelante con “Un día más en la vida”, donde la colaboración de Miriam Ros aporta un plus de ternura a este tema de curioso estribillo. A Miriam la recordamos por su participación en “Los Olvidados”, uno de los mejores temas del pasado “Costa Azul”, y es todo un regalo volver a oírla de nuevo. El siguiente tema, “Algo nos pasará”, musicalmente se ubica en el pop más melódico: ritmo sencillo, base simple y clara, coros que enriquecen la armonía. " "Por tí" es un tema sentimental, con arreglos que recuerdan a los sonidos de grupos como The Eagles, a los que añaden una parte ciertamente propensa a ser coreada.
Pero Sidonie no deja que nos acomodemos en este relax momentáneo, y vuelven a atacar con el siguiente corte: "Viva el loco que inventó el amor", un tema atípico en su producción, con influencias de rock de carretera y rockabilly, que volveremos a encontrar más adelante. Seguidamente, "A la vera del mar", que en sus arreglos y estructura recuerda enormemente al tema homónimo al disco "Costa Azul". Pero quizás por la enorme calidad que tenía el precedente, la nueva entrega, siguiendo su fórmula, consigue engancharnos de nuevo, con un acompañamiento de viento más que característico e interesante.
Nueva concesión a la tranquilidad con los dos siguientes temas: "Al Viento", aportación más directa del guitarra Jesús Senra, en su línea de melodías susurrantes y con un relajado ritmo ternario, además de un solo de Hammond (de gran presencia en el álbum) que aporta reminiscencias a las baladas rock de grupos como The Black Crowes ; y "Sin querer", que dentro del estilo habitual de Sidonie, incorpora las nuevas referencias rockeras, que hacen recordar a grandes grupos del rock en español como M-Clan en sus buenos tiempos.
Y entramos en la fase final del álbum de la mano de "Nueva York". Si en "Viva el loco que inventó el amor" se insinuaban las nuevas influencias rockabilly y del "road rock", aquí se muestran sin ningún pudor, recordando a grupos como La Guardia o Los Rebeldes. Nuevos caminos por explorar. Le sigue "En mi garganta", un tema que suena a grabación directa, sin engaños, a grupo vivo. Pequeña joya.
Antes de comentar el último tema, daremos un paso atrás para seguir avanzando, y es que hasta ahora, no hemos mencionado la cuestión de las letras. Es un disco de amor, de principio a fin. Esto puede verse desde muchas perspectivas: por una parte puede verse que, superada esa oscuridad de imágenes de "Fascinado", el rasgo de originalidad presente en "Costa Azul" se ha diluido, pero... ¿qué, sino original, es oír a Sidonie hablando abiertamente de amor? Hasta ahora, lo nunca visto, pese a que con ello se acerquen a la tónica de otras bandas. De esta manera, vemos como "El Incendio" ha sido un paso más en la carrera del grupo, que ha decidido en esta ocasión, seguir abriéndose para hacer canciones que apelen de manera directa a la experiencia de cada uno.
Mención especial merece el último tema: "El Adiós", un broche fabuloso en su letra, que recopila todos los temas anteriores, dando un final no muy optimista a esta historia de amor. Final redondo para un disco que si bien puede no ser una obra maestra, es toda una muestra del pop más claro, sencillo y directo, y que no pierde un ápice en calidad de sonido y producción. Altamente recomendable.
Les seguimos de cerca. Su single, el clip, los adelantos: todo con cuentagotas. Y la fecha del lanzamiento oficial del último disco de Sidonie se acerca peligrosamente. Ahora, siguiendo los pasos de otras bandas como Love of Lesbian(que hicieron lo propio con su 1999), los de Barcelona han decidido compartir los temas de su próximo álbum colgándolos en su página de MySpace.
Los títulos son los siguientes:
El Incendio
La Sombra
Un día más en la vida
Algo nos pasará
Por ti
Viva el loco que inventó el amor
A la vera del mar
Al viento
Sin querer
Nueva York
En mi garganta
El Adiós
12 temas con un factor en común: mucho amor en sus líneas. ¿Primeras impresiones? Reminiscencias al rock clásico en los temas a medio tiempo, coros muy cuidados, letras de las que extraer más de una sentencia... Sin más, os enlazo a su MySpace, ¡a disfrutarlo! Y no dejéis de visitarnos, pronto caerá reseña completa.
Los de Barcelona nos siguen dejando caer novedades con cuentagotas. Primero fue la entrevista en vídeo con algunos segundos del Incendio, a las pocas semanas, el estreno oficial de su single, más tarde, el videoclip, y ahora (y de nuevo desde Radio3) nos desvelan otro de los cortes de su próximo álbum, que recordamos saldrá a la venta el 18 de Agosto.
[caption id="" align="aligncenter" width="540" caption="Sidonie en una imagen promocional"][/caption]
En este caso el tema escogido es "En mi garganta" y lo presentan en un formato acústico entre amigos, grabado el mismo día de la primera entrevista. Sin prestar atención al piano desafinado o a las características propias del sonido de la grabación, este es un corte para quedarse con lo esencial: este disco va a estar llenito de canciones de amor que no parece que vayan a perder un ápice de las armonías y buen hacer a que nos tienen acostumbrados.
Tal y como os adelantábamos hace unos días, Sidonie calienta motores para el estreno de su nuevo disco. Para los que ya no aguantáis sin saber a qué suena, o tenéis más que rallados los veinte segundos de música que os enlazamos en el post anterior, tenemos buenas noticias: los barceloneses han elegido el 23 de Junio para ofrecernos el que será su nuevo single: El Incendio.
Lo más importante: ¿dónde escucharlo? En su myspace... ¡Haz click aquí!
Sin más, os dejo tal cual nos ha llegado su nota de prensa. Sabemos que se hace la boca agua, pero para el resto, aún habrá que esperar hasta el 18 de Agosto, fecha prevista para el lanzamiento del álbum. ¡Seguiremos informando!
[caption id="" align="aligncenter" width="425" caption="Sidonie nos preparan una velada de San Juan muy especial..."][/caption]
El primer single del nuevo disco de Sidonie se llama “El Incendio”. Hace meses, alguien citó en el estudio que este iba a ser, sin lugar a dudas, el disco de amor de Sidonie.
Esta canción abrasa por su sonido, por sus palabras, por su romanticismo y lo hace en menos de tres minutos. Dos personas no necesitan más tiempo para enamorarse… El amor actúa rápido y nunca espera. Ha sido escrita buscando en las entrañas, con una sinceridad inédita en su cancionero y grabada en directo, sin trucos digitales, con los tres mirándose a los ojos y captando en el estudio toda la fuerza y energía que melodía y letra pedían.
En palabras de ellos mismos: “Cuando percibimos la contundencia sonora con la que “El Incendio” expresaba todo esto, supimos, sin titubeos, que debía ser el primer single”.
La canción “El incendio” comenzará a sonar a partir del próximo día 23 de Junio, encendiendo la mecha de una noche mágica, la de San Juan, en la que muchas ciudades costeras de nuestro país terminan danzando y ardiendo en llamas, rindiéndole culto al fuego... El disco, que llevará el mismo título (“El Incendio”) tiene prevista su publicación para el 18 de agosto. Quien no crea en el amor que se aleje de Sidonie… porque ellos ahora le cantan al que aún es capaz de arder... Y lo hacen con 12 llamaradas pop que seducen a la primera escucha.
"El Viaje" es el título de la primera entrega de la banda barcelonesa dESPACIOS. Con reminiscencias del más clásico cómic de superhéroes, se presenta este disco, con un peculiar ritmo, marcado por el desarrollo de la historia que nos presenta. Sobre "El Viaje" y sobre otros asuntos, preguntamos a Sergio Lasal, vocalista del grupo. Aquí tenéis lo que nos contó...
[caption id="" align="alignleft" width="360" caption="Albert, Alex, Sergio y Josep esperan la nave..."][/caption]
¿A qué suena D’Espacios?
dESPACIOS suena a Rock y sobre todo a la banda sonora que deberían tener los cómics...
Vuestro disco lo habéis titulado “El Viaje”, y tiene toda una historia detrás. ¿Qué nos podéis contar de este “Viaje”? ¿Habéis querido hacer un disco conceptual?
Sin duda es un disco conceptual. Es el viaje de un hombre que ahogado por la forma de vivir en este planeta y por el egoísmo de los seres humanos. Pone su felicidad en manos de la idea de encontrar un mundo mejor fuera de esta galaxia, envía señales al espacio y encuentra respuesta. Es abducido por una nave alienigena comandada por Estrella Fugaz una habitante de el Planeta Flamingos, un lejano mundo donde reina el rock y la libertad. Se enamoran perdidamente el uno del otro y emprenden un largo viaje hacia el lugar de origen de ella, a lo largo del disco narramos la pasión y el amor que desatan sus cuerpos, así como el estrepitoso fracaso de la relación entre ambos por la imposibilidad, por parte de él, de asumir una conducta tan distinta y libertina a la suya propia. Hay una profunda moraleja que nos invita a reflexionar sobre el comportamiento del ser humano, adornada con tintes fantásticos y futuristas.
Está disponible la descarga gratuitade vuestro disco a través de la red, protegido con licencia Creative Commons. ¿Qué os ha llevado a tomar esta decisión? ¿Cómo está respondiendo la gente?
La descarga gratis del disco fue una decisión que tomamos para poder llegar al mayor número de personas posible. Tambien una forma de adaptación a la nueva forma de consumir música, estamos en un momento en le que el mercado discográfico esta cambiando y creemos que nadie sabe a ciencia cierta que rumbo lleva, por lo tanto lo más práctico es ir hacia donde sople el viento.
La gente está respondiendo bien en general, pero creo que todavía hay muchas personas que siguen valorando el formato físico, el cual no descartamos totalmente, ya que el disco va acompañado de un cómic realizado por mi mismo, en el cual hay una pequeña aventura de los componentes del grupo en el formato más clásico de los superheroes del cómic.
¿Cuáles son vuestros proyectos a medio plazo?
Preferimos no planear demasiado las cosas, ya que corres el riesgo de que no te salgan bien, de momento estamos preparando todos los temas que tocamos habitualmente en directo en un formato acústico para poder tocar en todo tipo de salas.
¿Qué le diríais a alguien que no conozca aún a D’Espacios?
A quien no conozca a dESPACIOS le diría que se está perdiendo a una buena banda, que como poco intentamos ser originales y ofrecer algo distinto. Animo a todo el mundo a que visite nuestro myspace.com/despacios y a saber más de nosotros. Y si entre los visitantes hay algún filántropo le animo a costear nuestro próximo disco.
Un deseo para el futuro.
Mi deseo para el futuro... que se vuelvan a unir los Beatles.
La presentación de este tema en la radio me abruma. La locutora menciona más de cinco referencias distintas, del soul al disco y de la psicodelia francesa al rock, y una no sabe qué esperar. Una base estable, imparable, un patrón que se repite una y otra vez. Capas de voces que se superponen y una suerte de despertador, que no sabes si anda encima o debajo de la textura densa. Y un coro que repite una y otra vez: you gotta get yourself together, concéntrate, mantente tranquilo, enmedio del ruido aparente y ordenado. El despertador desaparece y la voz de Noel canta I keep holding up, sigo manteniéndome. La dichosa campanilla vuelve al final de la canción. Una canción hecha de resistencias, de ruido que no lo es, que precisa de perspectiva. Curioso, acabo de descubrir que a esta canción le acompaña un subtítulo, It’s a beautiful world -es un mundo maravilloso-. Supongo que, como siempre, las canciones le llegan a una en el momento adecuado.
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