Per-Versiones: "Kids" de MGMT

Uno de los temas clásicos que no puede faltar en salida nocturna que se precie es indudablemente "Kids", de MGMT, procedente de su álbum Oracular Spectacular, editado en 2007. Esta vez retomamos la sección Per-Versiones para echar un vistazo a las distintas visiones, estilos e incluso experimentos que esta canción ha generado. Comenzamos...

El vídeo original y el que pudo llegar a serlo

La primera per-versión de la lista es de tipo audiovisual. El caso del clip de este tema tuvo su miga. Pongámonos literarios y digamos que corría el mes de diciembre de 2007, cuando saltó a Internet un videoclip realizado por Jon Salmon, e interpretado por dos amigos suyos, para un proyecto universitario. ¿El resto de la historia? En este link la encontráis completamente desarrollada, pero podríamos resumirla en que el vídeo alcanzó una gran popularidad y acabó llegando a oídos (y ojos) de la banda, que contactó con ellos y les ofreció participar en su clip Electric Feel. Posteriormente apareció el vídeo oficial de la banda, que otorga una atmósfera distinta al tema pero igualmente atractiva, aunque quizás no tan espontánea. Compartimos aquí ambos vídeos... y que cada cual se quede con el que guste.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=bIEOZCcaXzE&feature=related[/youtube]

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=5cAQlDf9Vs0&feature=channel[/youtube]

La  más indie: The Kooks

Publicada en 2009, esta versión corre a cargo del grupo inglés The Kooks, grupo que con temas como Naive o She moves in her own way, ofrecen un material más que respetable para aquellos que gusten del soft-rock con melodías pegadizas y estructuras simples. Aquí os dejamos la versión acústica del tema que nos ocupa...

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=Psk09J-ZqXU[/youtube]

La  más tierna: Ben Lee

El cantautor australiano Ben Lee también quiso dar su propia visión de infancia musical con esta versión. Resulta ser la más tierna, ya que, aún siendo también acústica, el tempo es algo más lento, los acordes más arpegiados y la melodía más suavizada que en la versión anterior. Podéis oír la versión de estudio, que se publicó en 2009, en su disco Rebirth of Venus, pero nosotros preferimos ofreceros un vídeo de un directo muy particular. Aquí lo tenéis.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=Bv4lc6pFX7w[/youtube]

Dentro de esta categoría podríamos incluir también la de la banda de California Jack's Mannequin, ¡a un solo click!

La más folk: The Ooks of Hazard

Un grupo de nueve cantantes e instrumentistas, más concretamente, instrumentistas de ukelele. Esto es The Ooks of Hazard, de quienes, curiosamente, no hemos sido capaces de encontrar más información que esta... Así que, sin más, la per-versión más folkie de nuestra lista.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=HgpsXURZFo4[/youtube]

La per-versión en directo: Lady Danville

Son varios los grupos y solistas que se han lanzado a versionar este tema en sus directos, entre ellos, los californianos Jack's Mannequin, el rapero y productor B.o.B. (y es que también han caído en ella otros raperos como Chiddy Bang) o los mismos Weezer, que la fusionaron con el archiconocido Poker Face en un intento un tanto fallido. Pero por su trabajo de arreglos, delicadeza sonora y buenas intenciones nos quedamos con la de Lady Danville, formados en 2007 en Los Angeles.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=DhQgzuSY51A[/youtube]

Y la per-versión final... PS22 Chorus

No es la más correcta musicalmente, no es la más famosa, ni tampoco la más alternativa. Pero no podemos hacer otra cosa que incluirla como colofón a nuestra lista, por el tema que trata y por sus peculiares intérpretes: el coro de voces blancas PS22. Dadles una oportunidad ;)

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=Or3_5QMrAds[/youtube]

PostData para friks: Kids interpretada con... iPhones.

Entrevista con Jordi Clapés-Bot: "El silencio me conviene y me convence"

La entrevista que compartimos con vosotros es atípica. No se trata de un grupo de pop, ni de rock, ni de todo lo contrario. Hoy compartimos charla con Jordi Clapés-Bot, que acaba de publicar su primer álbum "Right Sides", un álbum de música instrumental y atmosférica. ¿Será que en invierno nos es inevitable recogernos en nosotros mismos? En todo caso, una iniciativa más que interesante y original en el panorama musical. Un consejo, dedicadle un poco de tiempo. A ser posible, en soledad y con atención concentrada. Merece la pena.

Tu camino musical ha sido muy variado: estudios interpretativos, musicológicos, música antigua, música clásica… ¿cómo llega el momento de decidirse a hacer un álbum propio?

Nunca me he planteado los estudios como metas definitivas simplemente los he afrontado como una especie de "operación quirúrgica para añadir brazos a mi cuerpo" algo así como un sistema para que las ideas puedan florecer mas fácilmente. He flirteado con todo lo que me ha apetecido sin encasillarme nunca demasiado: clásica, antigua, musicología, diversos instrumentos... pero siempre de forma obsesiva, tratando de ahondar al máximo sabiendo que el interés hacia esto o lo otro no duraría para siempre: es mi suerte y mi perdición. Mi primer EP surge de hacer música pero también como un compendio extraño y borroso de mundos muy dispares: desde Bach hasta Tiersen pasando por Perotin, Brahms o Satie. Aí que el momento me llegó sólo y de una forma muy natural. Supongo que he decidido que ya tengo suficientes brazos extra por el momento.

Pese a provenir de campos formativos tan distintos, “Right Sides” tiene un alto componente de rock y música ambiental. ¿Cuáles son tus referentes en este campo?

Sinceramente no tengo referentes. Cuando era adolescente (y aún) escuchaba Bon Jovi, Dire Straits y poco cosa mas. AC/DC durante alguna época... y ya de mayorcito me enganché irremediablemente a Yann Tiersen. Me siento muy próximo a su forma de ver las cosas y por consiguiente a su música. Es el único que me ha calado. Pero el silencio me conviene y me convence mucho. No sigo a nadie y estoy muy poco enterado de que se hace. No conozco a practicamente a gente de rock o de música ambiental. Para el que compone vivir un poco apartado es básico.

Sorprende que seas tú mismo quien interprete todas las pistas del disco. ¿Qué ventajas o inconvenientes te ha reportado esta elección?

Ventajas muchas. Componer el disco es tocarlo en capas. No requerir a nadie mas es un alivio creativo. Mi música sale precisamente de esta soledad: se crea a través de la exploración íntima de una idea. Trabajo a partir de elementos fijos y construyo a partir de bases muy pequeñas. Nunca hago demos: el resultado final es precisamente el proceso creativo. Creo que lo maravilloso de la música es que nunca pierda cierta espontaneidad: todas mis canciones tienen una base improvisada que se mantiene en el resultado final.

Música instrumental. ¿Una decisión consciente?

Prefiero sugerir cosas mas que imponerlas. La música vocal requiere otra perspectiva. Me gusta que la música construya su propia historia, que con el tiempo genere en el oyente un fondo particular y diferente en cada caso. Quizá por eso se relaciona mi música con una etiqueta tan lejana a mi como es "música ambiental". Para nada quiero crear ambiente. Unicamente requiero que el oyente participe de la creación dando sentido: se conviente entonces en un actor, no en un espectador.

¿Qué opinas de las creaciones audiovisuales que hemos podido encontrar en la red, basadas en tu música?

Siempre es gratificante que la gente escuche y use tu música para otras cosas. se trata de lo que te decia antes: para mi el oyente no es un simple espectador, puede interactuar con la música hasta el punto de crear una cosa nueva a partir de lo que yo propuse: poemas, imagenes, videos... de momento todo lo que he visto es de muy buen gusto.

¿Qué van a encontrar aquellos que escuchen “Right Sides”?

Van a encontrar música poco agradecida: les requerirá esfuerzo , atención y paciencia. Son temas largos, complejos, con entramados contrapuntísticos y no siempre fáciles de digerir. Parece una mala propaganda pero en el fondo no lo és: es música que da recompensa al esforzado. Los temas se construyen de forma lineal, desarrollando ideas hasta descubrir sus contornos definitivos. Y de aquí el titulo del disco: Right sides es la búsqueda de los lados definitivos de mis "polígonos musicales"; el oyente entra en el proceso creativo, que al final es la obra en si. Parece un tanto rebuscado, pero la música habla por si sola. Mi intención es que, además, encuentren un hilo histórico herencia de los clásicos del s. XX. He notado una cosa asombrosa en mi público: las canciones gustan a pianistas de clásica, a rockeros, a músicos y no músicos. Cada uno encuentra, por el momento, lo que estaba buscando: reminiscencias de Mahler, guitarras distorsionadas, musica de café...

¿Cuáles son tus planes para el futuro más inmediato?

En 2011 me traslado a Berlin, donde daré forma a un segundo disco en el que ya estoy trabajando.  Espero que este listo para el verano que viene.  Además estoy pensando en dar algunos directos con música de Right sides en acústico. Evidentemente contando con una pequeña camarilla de músicos, aunque como decía antes, es dificil trabajar en equipo, así que ya se verá. Todas las novedades, de todas formas, se podrán leer en mi web o en la de mi promotora.

Y por último... ¡el test!

Un tema o pieza que te gustaría haber escrito: La pasión según san Mateo de Bach.

Un lugar para perderse.  Un sotano cargado de trastos antiguos.

Un superhéroe.  A. Fleming

Una película inspiradora: Casablanca

Un sueño por cumplir:  vivir en la Costa Azul.

Podéis escuchar y/o comprar "Right Sides" a su autor en este enlace

"Heavy Metal Christmas": los otros villancicos

Hoy queríamos hacer un repaso distinto a la música propia de estas fechas. Son innumerables los nombres propios que han hecho sus propias versiones de los tradicionales villancicos o bien han decidido musicar su propia versión de la Navidad. Así encontramos desde nombres clásicos como Judy Garland, Elvis Presley o Bing Crosby, a “pop stars” como Britney Spears, Backstreet Boys o Westlife, pasando por nombres como Elton John, Bryan Adams o Stevie Wonder.

Es complicado hacer una selección y se corre el peligro de morir de sobredosis de azúcar y buenos propósitos. En este caso, hemos decidido arriesgarnos, e ir un poco más allá de “Last Christmas” o “All I want for Christmas is you”. Así que dejémonos llevar, y echemos un vistazo a nuestro top ten de los villancicos más atípicos y originales.

10. Ramones – Merry Christmas

Los rockeros, como veremos en los villancicos siguientes, también dedican espacio a su Navidad. Empezamos con el “Merry Christmas (I don’t wanna fight tonight)” de Ramones, ¡incluye cascabeles!

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=4Y5GtaTrPHM[/youtube]

The Knack: la historia tantas veces repetida

por José Montes

Hace unos días llega a mis manos un disco recopilatorio de canciones para despertarse (todavía queda gente que compra discos), y en él me encuentro la canción “My Sharona” del grupo The Knack. Esta canción y la historia que hay detrás me hace pensar en aquello que tantas veces se repite en el mundo de la música. Os invito a que le echemos un vistazo en esta nueva “Retrospectiva”.

The Knack: Un grupo que tocaba en locales californianos de los 70 melodías pegadizas acompañadas de riffs de guitarras, con un sonido distinto a la dominante música disco del momento. En 1979 firman con el sello Capitol y graban su primer disco Get The Knack, el cual se convierte en éxito arrollador. No hay más que pensar en su single “My Sharona”, que llega al nº 1 de Billboard siendo uno de los debuts  más exitosos de la historia de la música. El disco incluyó también otros temas, muy bien valorados por la crítica de aquel entonces, como “Let me out”, “Your number or your name” o “Good girls don’t”.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=Zc3KXwd8ZWQ[/youtube]

Se convierten así en las estrellas del panorama musical estadounidense, y empiezan las comparaciones en prensa: “los nuevos Who”, “los nuevos Kinks”, incluso se llegó a decir que habían surgido “los nuevos Beatles”. Estas reacciones de la crítica no son siempre fáciles de digerir, y el grupo pasa a comportarse con un fuerte divismo, y empiezan a distanciarse de esa misma prensa que los había elogiado. Ya no conceden entrevistas, y actúan de forma un tanto prepotente; lo que se termina volviendo en su contra, con una campaña de desprestigio mediático bastante fuerte.

En medio de este clima tenso, en 1980, sale al mercado  su segundo trabajo But the Little girls understand, disco que no tiene la fuerza  de Get The Knack, pero puede considerarse un buen trabajo. Sin embargo, las críticas son bastante negativas y las ventas escasas. Round  Trip en 1981, volvió a gustar a los críticos, pero las ventas  no se recuperaron y el grupo se disolvió. A partir de ahí, varias reuniones en fechas posteriores, discos recopilatorios, incluso algún disco nuevo de estudio, pero todo se había acabado.

La historia de The Knack ha terminado definitivamente en este 2010 con la muerte del cantante y fundador del grupo Doug Fieger. En definitiva, una gran canción, para la historia de la música pop y un buen grupo que quedó en el camino… la historia, como decíamos, tantas veces repetida.

Puedes escuchar "Get the Knack" en Spotify con un clic!

El fondo y la forma

En estos días, con motivo de sus conciertos en España,  la volvemos a tener incluso en los telediarios.  Aunque prácticamente podríamos decir que su nombre no abandona, no sólo ya las páginas de magazines más o menos serios, sino las de actualidad de muchos periódicos. Y es que, guste o no, Lady Gaga ha sido el último revulsivo de la industria musical. Con una carrera corta, pero más que intensa, pasó de colarse en las discotecas con singles anodinos como Just Dance, época en la que no era posible prácticamente diferenciarla del resto de "productos femeninos musicales", a ser considerada la artista más influyente del planeta por la revista Time.

¿Qué pasó por el camino? No entraremos en este artículo a repasar los más y los menos de la carrera meteórica de la neoyorquina, para eso preferimos recomendar el artículo que sobre ella escribió nuestra Alaska en las páginas de El País Semanal. Lo que realmente buscamos con estas líneas (sí, nosotros también) es ir más allá de eso. Más allá de la imagen, más allá de las listas, más allá de los premios. Trascender la forma para buscar el fondo.

La forma en Gaga es el caos. Sus influencias se disipan en una neblina de incongruencias: versos de Rilke tatuados en el brazo, obsesión con Andy Warhol, "homenajes" a Bowie o el contratenor electrónico Klaus Nomi, además de la referencia ineludible:  la reina del pop, Madonna. Añadámosle a este cocktail la moda histriónica y excéntrica, que nadie osaría llevar, y un discurso... No, mejor tratemos el discurso a parte.

El discurso

El discurso del personaje tiene diversas caras. Primero, irreverencia; compuesta principalmente de referencias sexuales y religiosas (pensemos en la frase con que abrió su concierto en Barcelona: Ya habréis oído que tengo una polla gorda italiana. Venga, ¡ahora sacaos las vuestras! ¡He oído que las tenéis bastante grandes!).

Segundo,  debilidad. Imprescindible para el caso la entrevista que concedió a RollingStone, publicada en el número 130 de su edición española, con frases como: “Hay algunas cosas [en mi vida] tan traumáticas que ni siquiera las recuerdo del todo”, sigue diciendo que “Hay que tener mucho cuidado con cuánto revelas a la gente que te admira” y cierra el asunto con la sentencia “Todas las cosas que he sufrido han sido consecuencia de mi búsqueda del arte, de mi intento de joderme a mí misma, como ya hicieron Warhol y Bowie y Mick, por ir a por ello”. Y esto nos lleva al tercer factor del discurso: las citas a la cultura de masas.

La música

Nuestro artículo avanza y de pronto echamos en falta algo: ¿esto no trataba de música? No nos pasa solo a nosotros, gran cantidad sino la mayor parte de información generada en torno a Gaga se centra en cualquiera de los aspectos que acabamos de mencionar. La música es el toque de gracia de toda su combinación. Creadora de las ideas que forman la base de sus discos (antes de pasar por el filtro de los productores más en boga, como RedOne), es especialista en presentar temas que cumplen con los estándares del pop más accesible: estribillos pegadizos, bases bailables y no demasiada profundidad lírica. Muchos de sus fans se obstinan en recalcar su potencial vocal: no somos quién nosotros para decir lo contrario, aunque sí ponemos el dedo en la llaga. La voz de Gaga suena poderosa en temas acústicos como Speechless, no tanto en grandes hits como Alejandro, en los que no deja de sorprendernos la diferencia de timbre entre las versiones grabadas y las versiones en directo. Ahí lo dejamos.

El cierre

Va siendo hora de cerrar esta reflexión. Si tuviéramos que dar una calificativo final al personaje, podría ser el de “reina indiscutible del collage”, aderezado con la capacidad de comunión con sus fans, ante los que se sitúa en el plano de (falsa) igualdad tan habitual en la era 2.0 (“Cuando estés solo, yo también lo estaré. En esto consiste la fama”). Innegable pues su capacidad de comunicación, innegable su influencia estética en un aburrido panorama internacional, innegable su mérito de trabajadora incansable. Pero desde el punto de vista musical, que es el que a nosotros más nos toca… mucha forma y poco fondo.

Desconcertantes "The Drums" (13 nov)

Este sábado 13 de noviembre el público alternativo de Barcelona se debatía entre dos de los conciertos más prometedores de este otoño. En las salas Razzmatazz y Razzmatazz 2, actuaban simultáneamente dos bandas americanas: los neoyorquinos Vampire Weekend, en la sala grande; y The Drums, desde Brooklyn, en el espacio vecino.

Dado que aún no contamos con el don divino de la ubicuidad, optamos por The Drums. Buenas críticas de sus directos, rumorología internáutica y referencias en prensa nos hacían pensar que estábamos ante una de las grandes promesas de la música indie, que la noche valdría la pena. Tras un descafeinado Patrick Cleandenim, de movimientos lánguidos y únicamente arropado por las bases electrónicas y la cantidad de ropa que llevaba encima (véase sombrero de ala ancha, americana, bufanda y guantes de piel) llegó el momento esperado. El público más que predispuesto (no olvidemos que la demanda de entradas obligó a la organización a buscar un recinto más grande que la sala inicial BeCool) y Best Friend, el primer corte del álbum. Y llega el desconcierto.

Los movimientos histriónicos y exagerados de cantante y guitarras (no hay bajo visible en esta banda), eran previsibles para cualquiera que se hubiera asomado a sus clips. Igualmente, el parecido de unos temas con otros, también era previsible. Pero dejando a un lado las canciones y su puesta en escena, que nadie podrá criticar por falta de energía, sí que existió una falta de delicadeza. La imagen de grupo estéticamente cuidado con melodías lineales al estilo británico de décadas pasadas, se vio truncada por un sonido difuso, donde la voz se perdía en multitud de ocasiones, y por una actitud más cercana a otros géneros como el punk, que contrastaba con aquella frase que se llegó a leer, que quizás no fueran los mejores, pero sí los mejor vestidos.

Así, y sobre bases pregrabadas de teclado y bajo, discurrió la noche, que por otra parte no fue muy larga; una hora escasa. Curiosamente, y volviendo a la sala vecina, el concierto deVampire Weekend terminaba con el público indignado y voceando: "manos arriba, esto es un atraco", tras una actuación igualmente corta. A nosotros, por lo menos, nos da que pensar...

Imelda May: Mayhem

Y de una gran voz femenina saltamos a otra, aunque en este caso en un género distinto. Dedicamos nuestra entrada de hoy al nuevo álbum de la revelación irlandesa Imelda May, que con su rockabilly actualizado consiguió con "Love Tattoo" (su álbum de debut publicado en 2008) llamar la atención de medio mundo, a juzgar por sus apariciones públicas en los medios y su presencia en gran número de festivales.

Como siempre en estos casos en que la primera entrega es tan destacada, el propio artista lo tiene difícil para superarse a sí mismo, puesto que las expectativas son muy altas. "Mayhem", que así se llama lo nuevo de May, llega además, por sorpresa: su lanzamiento no se esperaba hasta mediados de este mes y justamente lo hemos descubierto en Spotify! Así pues, desde Libertad Sonora nos disponemos a exprimirlo en palabras.

El single "Psycho", disponible desde antes de verano, nos daba ya alguna pista: si en "Love Tattoo" encontrábamos prácticamente la reproducción de uno de sus directos (aunque con la frialdad propia de las grabaciones de estudio), en su nuevo álbum la cosa cambia. Estamos ante un trabajo más producido: la base instrumental aumenta en varios de los temas con la incorporación de sección de viento, alguna que otra cuerda y otros instrumentos tales como el ukelele; además de múltiples planos de Imelda, en coros al más puro estilo fifties.

Por lo que a los temas incluidos respecta, llama la atención "Pulling the Rug", el primer corte del álbum, hecho a imagen y semejanza del gran "Johnny got a boom boom" de su anterior trabajo, pero como suele pasar cuando se busca repetir un éxito, uno acaba prefiriendo la versión original. A parte de esta anécdota que cabría calificar incluso como desliz, ha incorporado bastantes de los temas que ya solían aparecer en sus directos, como "All for you", "Proud and humble" o su versión del ya clásico de los ochenta "Tainted Love". ¿El resto? Canciones más melancólicas como "Too sad to cry", más folkies, como "Kentish Town Waltz" y otras con vocación de single, como el ya mencionado "Psycho" o el que le da título al álbum, "Mayhem".

En definitiva, un trabajo quizás más irregular en ritmo interno que su primer álbum, pero que sigue mostrando, aunque con un sonido más depurado, el gran potencial que tienen tanto la irlandesa como su banda; la cual por otra parte resulta imprescindible. Seguimos esperando su próximo paso por Barcelona: ahí, sin adornos, es donde podremos de nuevo disfrutar de la calidad y entrega del proyecto de Imelda May.

Puedes escuchar Mayhem en Spotify!

Tarja: What lies beneath

Recién anunciada la salida de este segundo álbum de la soprano finlandesa Tarja Turunen, en su etapa en solitario tras su época pasada en Nightwish, nos disponemos a oírlo. Su primera entrega fue un tanto decepcionante, su potencial vocal no acababa de definirse en un género. Se rodeó de grandes músicos, pero los temas no eran claros en sus estructuras y oscilaban a medio camino entre el metal, el new age y las atmósferas de bandas sonoras. De cualquier modo, sólo por su gran calidad vocal, decidimos atacar esta nueva entrega: "What lies beneath".

Y cuál es nuestra (grata) sorpresa, cuando descubrimos que la indefinición y los claroscuros de su primera entrega han sido ampliamente superados. Establece su sonido y nos deja claras cuáles son sus cartas: melodías interesantes, sorpresas armónicas, arreglos orquestales y coros para apoyar su voz, el mayor valor que posee. En este disco, Tarja apuesta por el metal sin reservas, la esfera donde el público más la aprecia, y ofrece once temas que no hemos tenido más remedio que analizar uno por uno.

1. Anteroom of Death w. Van Canto: Su introducción, la paertura del disco, nos sorprende. Alguien entra y se sienta a un clave, afinación. Empieza el tema con un estilo barroquizante y acústico, pero la entrada del estribillo nos coge desprevenidos: tempo contrastante y armonías inesperadas, pero solo por un momento. La estrofa crece al incorporarse la base rítmica de la banda. Vuelta al estribillo, que sigue desconcertando, pero ya nos hace querer volver a oírlo. Aparece entonces un puente con unas vocalizaciones al más puro estilo Tarja, ya sabemos donde estamos. Y de golpe, austeridad y entrada del conjunto vocal metal Van Canto: reminiscencias de power metal y de la intensidad épica que este género comporta culminando en la nueva entrada de la banda. Absolutamente impresionante, y aún más, al entrar las vocalizaciones de Tarja. Y de nuevo el estribillo, más intenso que nunca, hasta el final del tema. Original, arriesgado y acertado. La primera, en la frente.

2. Until my last breath: Más convencional, nos da un respiro tras el primer corte. Con una melodía introductoria pegadiza y una base potente, presenta una estructura muy clara y posee un estribillo pegadizo, propio de muchas bandas de la zona. Single absoluto.

3. I feel inmortal: balada que desde el principio promete intensidad, con todo y que la instrumentación y arreglos no son los típicos del género "oscuro", sino que cuentan con atmósferas amplias que recuerdan más a la new age. El diseño melódico del estribillo solo pueden permitírselo voces como la suya, y pese a la sorpresa inicial, resulta ser emocionante. Uno de los cortes más expresivos del álbum.

4. In for a kill: según ella describía, “su tema para película de James Bond”. Aparecen los bajos marcados y rítmicos desde el principio, y el estribillo nos ofrece uno de los highlights de la voz de Tarja, que aunque con una resolución un tanto difusa debido al gran vibrato utilizado, merece la pena sin dudarlo. Interludio orquestal que inevitablemente nos recuerda a Nightwish: pero somos de la opinión, que por buen motivo, siempre es bueno recordar los buenos momentos. Tema indiscutible.

5. Underneath: bajamos la adrenalina con la segunda balada. Melancólica y con tintes cinematográficos, nos sigue demostrando la versatilidad de esta gran vocalista, que puede presentarse dulce y pequeña o grande y poderosa, con una emisión impecable. Solo de guitarra que siempre se agradece a los que nos gusta el metal clásico y final a lo grande, para cerrar quedamente con un acorde mayor esperanzador desarrollado por la orquesta.

6. Little lies: guitarras potentes con un riff marcado que recuerda a bandas como Rammstein, y que pronto se transforma en una línea de bajo más que interesante. Estribillo más convencional seguido de coros a los que se incorpora el riff de entrada. Así, un tema interesante, que juega con coros, los riffs más duros que ha presentado hasta el momento y una melodía simple y pegadiza, ejecutada con un timbre limpio y directo. ¿Suena paranoico si le encontramos un toque vampírico?

7. Rivers of lust: Presentación austera del tema, con melodías líricas que de nuevo hacen lucirse a Tarja y un crescendo textural en el centro, para cerrar otra vez quedamente. Un acierto en el ritmo del disco.

8. Dark Star w. Phil Labonte. Y ahora toques orientalizantes y una distorsión fascinante en la guitarra. Y sorpresa, un toque electrónico en las bases que le sienta de maravilla. Nuevamente un tema convencional en el diseño, aunque la voz rasposa de Phil Labonte aporta un toque de novedad al álbum y al contrastar con Tarja produce un gran efecto.

9. Falling awake w. Joe Satriani. Los créditos del tema dan buenas expectativas y es que el single elegido para presentar este álbum es redondo. Buena base, buena melodía, suficientemente original para dar buena impresión, pero sin pasarse en las rarezas.  El toque de calidad Satriani, sin comentarios. Uno de los temas más destacados del álbum en todos los sentidos: no hemos podido hacer una sola escucha sin acabar con un headbanging.

10. The archive of lost dreams: A capella para empezar y acompañamiento a lo new age, y por contraste con lo anterior, nos deshace. Un respiro.

11. Crimson Deep w. Will Calhoun: Y el cierre del disco no podía ser más espectacular. Si ya el acompañamiento de Doug Wimbish al bajo era impresionante, incorporarle a su compañero batería en Living Colour, Will Calhoun, le otorga una profundidad y una pegada a este tema que ya quisieran muchos.  Impresionante sonoridad para un cierre de lujo.

Escucha "What Lies Beneath" en Spotify!

“El arte de volar”: brisa fresca en pleno verano

Las altas temperaturas parece que a nuestro cuerpo sólo le pidan descano. Nuestra actividad desciende, en la medida en que nuestras obligaciones nos lo permiten, acoplando nuestro ritmo natural al ritmo propio de la estación. Suponemos que debe ser por eso que en estos días calurosos, nuestros oídos piden algo que vaya en consonancia, que estimule, pero que no aturda, que nos deje respirar.

Y ese es el caso del grupo que os presentamos hoy. Barcelona es su punto de partida, y respecto a su estilo, ellos mismos lo definen como una mezcla entre rock y electrónica; nosotros lo refrendamos con su propio nombre: "El arte de volar". Elegancia y buen hacer es lo que se transluce en su trabajo de presentación: Posible repertorio en estructura piramidal. Cortes como "Nos vamos" o "Facer nada" son pequeñas joyas de letras trabajadas y evocadoras, que las voces de Sandra de Victoria y Koke Alejo se encargan de relatar sin agobios ni prisas, de manera limpia y deslizante.

Por nuestra parte no podemos más que emplazaros a que echéis un vistazo a su página web oficial, donde podréis descargar de manera gratuita su álbum de presentación. Antes de terminar, hacer una mención a sus directos,  donde el grupo se presenta acompañado de audiovisuales expresamente creados para la ocasión. Os dejamos con uno de ellos, "Facer Nada". Que lo disfrutéis, viviendo lento.

[vimeo 9203180]

Descarga su álbum haciendo click aquí

Magnètica: "Hacemos canciones para quien las quiera escuchar"

Pese a las vacaciones y la reflexión y perspectiva sobre las cosas que éstas conllevan, LibertadSonora vuelve a asomar la cabeza al mundo virtual para compartir con vosotros una nueva entrevista. En este caso, los que responden a nuestras preguntas son Magnètica, un trío madrileño recién llegado al panorama con su disco de debut, "Maida Vale", debajo del brazo; concretamente su voz: Davile Matellán.  ¡Aquí os la dejamos!

Empecemos por completar una frase: Te gustará Magnética si te gusta...
El brit-pop con letras en castellano. Hacemos canciones para quien las quiera escuchar.

Los primeros álbumes suelen surgir por necesidad. En vuestro caso, ¿qué fue lo que os empujó a sacar adelante este "Maida Vale"?
Volvimos de Inglaterra con bastantes temas, y la mayoría estaban llenos de sentido para nosotros. Lo vimos claro: queríamos grabar un disco.
Al principio esa era nuestra única pretensión, fue a medida que avanzaban las cosas cuando decidimos tirar para adelante con la creación del sello y todo lo demás. Lo cierto es que hemos estado muy bien aconsejados en el proceso y estamos muy contentos con el resultado.

Nos ha gustado mucho vuestro clip. ¿Qué podéis contarnos sobre su proceso de grabación?
Pues se grabó en Barcelona. El video esta realizado por Lyona y todo lo que podemos tener hacia ella y su equipo son palabras de agradecimiento.Trabajar con ellos es muy fácil, son unos estupendos profesionales y los días que pasamos allí estuvimos muy a gusto. A ver si repetimos.

Todo local de ensayo tiene sus fetiches. ¿Qué encontramos en el local de Magnética?

Pues la verdad es que no somos demasiado maniáticos para eso. El local es un sitio en el que pasamos mucho tiempo, por lo que tratamos de tener todo lo indispensable para encontrarnos a gusto, pero nada extravagante. Más allá de eso nada en especial.

Tanto el origen del grupo como el de vuestro álbum se encuentra muy ligado al Reino Unido. ¿Qué hay de este país en vuestra música?
Nos consideramos afortunados de haber vivido aquella experiencia londinense porque fue el caldo de cultivo de este proyecto. De una manera más visible se puede decir que musicalmente el álbum puede aproximarse a la corriente Británica, pero hay más. Fue allí donde se compusieron la mayoría de temas incluidos en Maida Vale y a eso nos llevo una serie de experiencias que allí vivimos que resultaron determinantes.

En un entorno digital cada vez más saturado de información donde uno ya no sabe casi dónde mirar, ¿con qué ventajas e inconvenientes se encuentra un grupo novel?
Tienes razón cuando dices lo de la saturación en la etapa digital en la que vivimos; pero nosotros preferimos verlo con buenos ojos y pensar que nos beneficia en el sentido de que estamos ahí, como el resto, en esa selva de información. Tenemos que trabajar duro para destacar un poco y eso es lo que queremos y lo que estamos haciendo…

¿Qué planes os esperan durante este año?
La gira comenzara en Otoño, sobre Septiembre-Octubre, y la idea es recorrer el mayor número de salas posibles. Tenemos muchas ganas.

¡Y pasamos al test!

Una canción que os gustaría haber escrito: Creep, de Radiohead.
Un lugar para perderse. Lisboa
Un superhéroe. Superñoño
Una película inspiradora. Big Fish
Un directo es... Lo que más nos divierte y mas queremos cuidar.
Estadio, teatro o sala: sala
Un sueño por cumplir: Seguir vivos en esto.

Puedes seguir a Magnètica en su web oficial: www.magneticaonline.com o en su MySpace!

En defensa propia

Esta no es una entrada típica. Son las dos de la madrugada del viernes y acabo de llegar a casa. Estoy a punto de irme a dormir, toda yo soy cansancio después de toda la semana. Pero sin embargo, tengo necesidad de escribir unas cuantas líneas antes de retirarme. En estos días, son muchas las cosas que van aconteciendo, y afortunadamente, acontecen en el mundo musical.

Para empezar, en los días de ayer y hoy he podido asistir a las jornadas Digital Music 2.0 en el marco del Festival Sónar, donde en varias mesas de debate se ha discutido el estado del negocio musical, las nuevas tendencias, la viralidad, las redes sociales,... Tras unas cuantas horas de reflexión colectiva, no es fácil sacar conclusiones, y menos cuando la música electrónica retumba en tus oídos al salir del Auditorio. No disertaremos ahora sobre las posibles vías de escape del show business, sobretodo porque, pese a lo interesante de esta experiencia, he de unirle otra más.

Esta noche, en una pequeña sala de sonido incómodo, un grupo pequeño ha presentado su primer largo en concierto, titulado En defensa propia. Ellos son Un poeta en paro, un grupo al cual tuve ocasión de entrevistar hace unos meses. Esta vez, he podido participar con ellos de manera directa, ofreciendo mi violín en uno de los temas del concierto. Y realmente, tras dos días de disertación en abstracto sobre la música, el negocio, los millones de fans, el "monetizar" las iniciativas, entre otras muchas cuestiones, el contraste ha sido increíble. Un grupo de personas presentando lo que ellos saben hacer, para un público familiar: el escenario, además, enriquecido con colaboraciones especiales, músicos, amigos.

En definitiva, un clima más que agradable, donde pese a las dificultades del espacio, había algo que lo compensaba. Ese algo era la música en esencia, más allá de presupuestos, más allá de estrategias de marketing. Siendo honestos, sabemos que de la esencia no se come, y en algún momento hay que volver a bajar a la tierra. Pero experiencias como la de estos cuatro chicos son las que me hacen creer que no todo está perdido. ¿Resistirán? ¿Soportarán el cansancio? ¿Darse cabezazos contra el muro? No lo sé, pero, sea como sea, si son capaces de guardar una pequeña parte de la ilusión y las ganas que han mostrado esta noche, no podré saber cuál será su meta, pero éstoy segura de que disfrutarán en el camino.

Y desde LibertadSonora me aplico el cuento. Quizás no seamos el espacio más amplio, el más visitado ni el más trendy. Pero si con estas líneas contribuimos a que esta magia siga existiendo, valdrá la pena. Disfrutemos el camino.

Cuerdas Rotas (cap. 7)

Nueva entrega de nuestra tira cómica. Hoy dedicada a los chicos de Jaén, a Supersubmarina.

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De festivales y otros cuentos... (III)

Si hace unos días comentábamos algunos festivales que iban a tener lugar en tierras catalanas, hoy nos desplazamos en dirección al norte. Comentamos en las siguientes líneas una de las citas destacadas del verano para todos aquellos amantes, sobretodo, del rock: Bilbao BBK Live , del 8 al 10 de julio.

Una cosa nos llama la atención. En la web del festival, no existe el apartado "Artistas". En su lugar hallamos el indicador "Bandas". Muy  pero que muy buen comienzo.

Jueves 8. Rammstein. ¿Qué decir de estos alemanes? Con un sonido potente y definido, además de una espectacularidad pirotécnica en escena, cada uno de sus conciertos supone una descarga de energía y adrenalina. La densidad de sus guitarras y lo marcial de sus ritmos se aprecia tanto en temas como "Engel" (Sensucht, 1997) o "Mein herz brennt" de su álbum Mutter (2001) como en sus últimas entregas, presentes en su álbum "Liebe ist für alle da". Siempre provocadores, su concierto promete.

[caption id="" align="alignleft" width="281" caption="Skunk Anansie en una imagen promocional"][/caption]

El mismo jueves, Skunk Anansie, un grupo de enorme personalidad, en gran parte gracias a su vocalista Skin, quien cataloga su estilo como "clit-rock", una mezcla entre heavy metal y rabia post-feminista, características perfectamente perceptibles en temas como "Weak" (1995) o su más recinete "Because of you". Tras diez años después de su separación se reúnen para presentar su grandes éxitos Smashes and Trashes. Increíbles.

No olvidemos a Slayer. De acuerdo, no es posible, así que retiro la recomendación. Ya veteranos, los que podríamos considerar como más duros del cartel, llevan en activo desde 1981, año en que debutaron con Show no mercy. Aunque su apogeo llegó con Reign in blood (1986), por muchos situado entre uno de los mejores discos de metal de la historia. Sobre la batería  de Dave Lombardo, desquiciante pero perfecta en su técnica, rodarán los temas en la noche del jueves. Quizás rueden algunas cabezas...

Otros nombres de esta noche serán Rage against (con nuevo material bajo el brazo), Bullet for my valentine (nuevas tendencias en el género), Volbeat (con una voz limpia y clara sobre bases de ritmo acelerado) Anti-Flag (punk-rock americano) o Rise to Fall (la apuesta local a la noche metalera).

 

Viernes 9. Pearl Jam. Eddie Vedder y su particular voz, acompañados por su banda, llegan desde Seattle. Dando que hablar desde principios de los 90, se convirtieron en una de las bandas de más éxito del momento tras su debut Ten (1991), que incluía temas que quedarían en el recuerdo como "Alive" o "Even Flow". Pero afortunadamente, la cosa no quedó ahí. Los australianos de la "mermelada de la abuela de Eddie" no han parado y ahora vuelven con un nuevo álbum Backspacer. Recordemos que uno de sus puntos fuertes es su directo. ¡Imprescindibles!

Y no nos movemos de la escena grunge de los 90 con Alice in Chains. Y de nuevo a Seattle para encontrarnos con otro histórico grupo de rock bien entendido, creador de temas como "Man in the box" o "Change my brain". En esta ocasión vienen también con nuevo trabajo bajo el brazo: Black gives way to blue, editado el pasado 2009. 

Bandas como The Smiths o más tarde Oasis se declararon en algún momento inflenciados por él. Él es Paul Weller, quien fuera líder de The Jam, uno de los grupos más reconocidos en la era punk de la Inglaterra de los 80. También presenta nuevo trabajo, su recién estrenado Wake up the nation.

Otros nombres del viernes son Gogol Bordello, Coheed & Cambria, Biffy Clyro o Cápsula.

 

Sábado 10. Faith no More. Banda de culto, fusionan en su propuesta elementos propios del heavy metal, del hip hop, del funk y del rock progresivo. Tras más de 25 años de carrera, siguen en activo, y pese a no haber publicado material nuevo recientemente, sólo escuchar en directo temas como Midlife Crisis o Epic deberían ser motivo suficiente como para asomarse a esta banda originaria de San Francisco.

Manic Street Preachers. De nuevo un grupo que nunca llegó a irse del todo. Con temas tan radiados y recordados como "If you tolerate this then your children will be next" (canción que no por más conocida pierde un ápice de calidad), los de Gales se han caracterizado por letras elaboradas y de carácter social. Aunque admiten haber suavizado un tanto su tono, quizás en sus letras, su último trabajo Journal for plague lovers sigue conservando su sonido propio.

¿Y qué decir de Jeff Tweedy? Su pasada actuación con Wilco en el Primavera Sound fue todo un éxito de crítica, y su apuesta en solitario no es menos interesante. Otro imprescindible.

Y para terminar, más nombres de la noche del sábado: The Maccabees, Band of Skulls o  Jet (no estaban muertos, estaban... por ahí. Pero son rock en estado puro!).



CONCLUSIÓN: Podríamos decir que sí: aún existe el buen rock (y no será la única muestra, como veremos en días sucesivos), y una gran ocasión para ver tanto a apuestas recientes como para revivir grandes momentos pasados o retornos inesperados es sin duda, el BBK Live.

Retrospectiva: Otro ladrillo en el muro (The Wall, Pink Floyd, 1979)

por José Montes

Leo en las noticias musicales que Roger Waters, se lanza de nuevo a una gira mundial, esta vez celebrando el 30 aniversario de The Wall (El Muro), lo cual me lleva en esta mirada retrospectiva a situarnos en Septiembre de 1977.

Recién terminada la maratoniana gira de Animals, que duró seis meses y aterrizó en nueve países diferentes incluyendo por primera vez grandes estadios, Waters se sentía horrorizado: veía que algo tan personal como eran sus canciones terminaban siendo “un ritual circense sin sentido”.

En su vuelta a casa, Waters afirmó que si Pink Floyd realizaba otro gran espectáculo en directo, este sería prácticamente detrás de un…muro. Y nunca mejor dicho. 

Tras un largo período de reclusión en la casa que tenía en el campo, se presentó ante el resto de la banda con un proyecto que llevaba largo tiempo dando vueltas en su cabeza. En principio, su idea era lanzarlo al mercado en solitario, pero debido a los problemas financieros que atravesaba la banda (habían sido prácticamente estafados por un joven contable, Andrew Oscar Warburg, que les ocasionó graves problemas con el fisco), y al recibir un adelanto de 4.5 millones de CBS y EMI, la decisión estaba tomada.

The Wall terminaría siendo un doble disco con 27 cortes. Ante un proyecto tan complejo y ya que sus diferencias musicales con David Gilmour eran cada día mas evidentes, Roger Waters decidió incorporar un coproductor, Bob Ezrin, que a la postre fue vital su mediación entre ellos para conseguir sacar adelante el proyecto. 

El disco traza un camino diferente en la música de Pink Floyd. Destacar una u otra canción sería un poco absurdo, ya que la obra  en sí es una línea de principio a fin. Éste retrata la vida de una estrella ficticia del rock,  “Pink”, cargada con todos sus traumas, la muerte de su padre durante la Segunda Guerra Mundial, una madre sobreprotectora, la opresión de la educación británica, sus fracasos sentimentales y la gran presión de ser una gran figura del rock, el uso de las drogas y un “asma” enfermizo, hacen que vaya creando su mundo de fantasía autodestructiva detrás de su muro. Este es un argumento que es, en gran parte, autobiográfico del propio Waters, ya que en su vida hay muchos hechos similares a los de la vida de “Pink”. 

Los efectos de sonido fueron superiores a otros discos de Pink Floyd: helicópteros, bombarderos, llantos de bebé, voces de patio de escuela, marcaciones de teléfono y un largo etcétera de voces y sonidos, que van tejiendo y uniendo toda la obra entre sí. Los arreglos orquestales, corrieron a cargo de Michael Kamen, para lo que contó con una orquesta de 55 músicos. La calidad de sonido final fue excelente.

En cuanto a aportaciones individuales, la aportación musical de Dave Gilmour fue la siguiente: coescribir “Run like hell”, adaptar a su estilo “Young Lust”, y el gran acierto; rescatar una canción suya descartada, “Comfortably Numb”, que terminaría siendo una de las perlas del disco, además de ayudar a Roger en la música de las diferentes canciones.

Con lo que podemos afirmar que The Wall es la gran obra de Roger Waters, ayudado por Dave Gilmour; los otros dos componentes de Pink Floyd, Nick Mason a la batería y Richard Wright (que figuraba como músico contratado debido a las diferencias con Waters) a los teclados, solo aportaron su parte en la interpretación, más que en el concepto del álbum.

La grabación del disco se realizó entre abril y noviembre de 1979 y se publicó el 30 de Noviembre de ese mismo año. El resultado: un gran éxito comercial, el single “Another brick in the wall (part 2)” disparó las ventas del álbum, pasando a ser uno de los más vendidos de la historia del rock. 

En la crítica de la época se dijo de todo. Yo me quedo con la frase de Chris Brazier, crítico de la revista Melody Maker: “No estoy seguro si es brillante o terrible, pero a mí me resulta totalmente irresistible”. 

De su gira espectacular pero ruinosa,  la película de Alan Parker y de las continuas representaciones de la obra (la más popular, la organizada por Roger Waters en 1990 con motivo de la caída del muro de Berlín), hablaremos en otro momento.

 

Para no perderse nada del Primavera Sound

Estos días andan moviditos musicalmente hablando en la ciudad de Barcelona: más de 200 actuaciones conforman el Festival Primavera Sound de este año y se espera sea una de las ediciones más multitudinarias de este festival hasta el momento. Es difícil condensar todo esto en un solo post, así que, si queréis estar informados, preferimos emplazaros a un medio que viene realizando una cobertura profesional y completa desde hace días.

Se trata de la emisora iCat FM. Tanto desde  su frecuencia en antena como a través de su web, hemos podido seguir las previas de los grupos destacados, las últimas noticias o los horarios de las diferentes actuaciones y escenarios. La manera de recuperar todo este material es sencilla, a través de su web, encontraréis un destacado en la parte superior izquierda. Para acabar de rematarlo, programas como "Cabaret Elèctric" (que se emite ahora mismo) cubren el evento en directo con crónicas sobre el terreno, y su página de Facebook se actualiza constantemente con imágenes y comentarios.

¿Podíamos pedir más? Sí, la transmisión en directo del concierto de Wilco, viernes a partir de las 22.30h.

21-may: Love of Lesbian + ONCA (Sant Cugat)

La noche prometía. Entradas agotadas (desde hace algunos días), escenario poco habitual (el Teatre-Auditori de Sant Cugat) y un formato especial: Love of Lesbian se presentaban acompañados de la Orquestra Nacional Clàssica d'Andorra, con un concierto en que sus temas de siempre se verían ampliados con arreglos para esta formación, compuestos para la ocasión por el compositor Fernando Velázquez, autor entre otras, de bandas sonoras como la de El Orfanato. 

 

De entrada sorprendía el público, más heterogéneo que de costumbre y que amplió considerablemente su franja de edad por arriba y por debajo. Realmente, el ambiente daba gusto y era muy propicio al disfrute tranquilo. Y a las 10 en punto de la noche, tras los tres timbres, los músicos aparecieron en escena. Las canciones fueron desplegándose una tras otra, abriendo la noche con "Un día en el parque", una de aquellas joyas que no se escuchan habitualmente en los conciertos del grupo y que tanto merece la pena. Público y banda tuvimos que acostumbrarnos al nuevo sonido: el volumen fue ligeramente más bajo de lo acostumbrado, con una batería discreta en beneficio del equilibrio con la orquesta. Palmas comedidas por respeto a la música, espacios de silencio entre temas, expectación tranquila y bien dirigida por los comentarios de Santi Balmes. Con todo y con eso, la orquesta quedó en temas como "Carta a todas tus catástrofes" o "Houston tenemos un poema", más escondida de lo deseable; mientras que en otros como "Domingo astromántico" o "La parábola del tonto", la combinación fue simplemente perfecta, creando una magia que uno deseaba que no terminase nunca.

Y como era de esperar, poco a poco, público y banda fuimos encontrando nuestro sitio y sintiéndonos más cómodos en estas nuevas posiciones. Y el concierto no pudo más que terminar como es, ahora sí, habitual, en los directos de Love of Lesbian: con todo el Auditorio de pie desde una soprendente "Música de ascensores" hasta el final, que consiguió, no solo levantar espontáneamente al público de las butacas, sino hacernos saltar como en cualquier festival. En definitiva, toda una experiencia, nueva y emocionante, y que sería deseable que volviera a repetirse: los arreglos fueron magníficos, y aunque quizás podrían haber estado más presentes, se queda uno con ganas de más.

 

Cuerdas Rotas (cap. 6)

Porque hablando de festivales... ¡Hay carteles que requieren un esfuerzo! ;)

(Haz click en la imagen para verla a tamaño completo)

De festivales y otros cuentos... (II)

Seguimos nuestro recorrido por los festivales de este verano haciendo una parada en un festival especial: Luna Lunera. Celebrándose desde el año 2002, este festival podría ser visto más como un ciclo de conciertos, dado que sus actuaciones se reparten a lo largo de diversos fines de semana en los meses de julio y agosto. Por su escenario ubicado en Sos del Rey Católico (Zaragoza), han pasado artistas como Iván Ferreiro, Luz o Macaco en el ámbito nacional; y procedentes de fuera de nuestras fronteras, Paul Carrack, Roger Hodgson o Jackson Browne (que por cierto, acaba de publicar nuevo disco).

Pero este año, han conseguido sorprender. La organización ha dado a conocer hoy su ciclo más internacional, gracias a las colaboraciones con otros festivales como el Azkena Rock, además de otras instituciones. Pero vamos a lo que nos interesa: los nombres. ¿Qué os parece abrir el ciclo con Ben Harper, seguir con Elvis Costello acompañado de Biggott, disfrutar de una noche de rock con Eli Paperboy Reed e Imelda May, para seguir con otra de canción de autor de la mano de Quique González y Jakob Dylan? En cuanto a calidad, no creo que haga falta decir mucho más...

De cualquier modo, reconocemos que se trata de un festival delicatessen, teniendo ello su traducción a nivel económico. El abono a todos los conciertos del festival tiene un precio de 450 euros, aunque si no andais demasiado prósperos o no vivís en los alrededores, siempre podéis estudiar el cartel y decidir: hay entradas individuales desde 20 euros.

Para conocer toda la información acerca de este festival (horarios, precios, ubicación...) podéis visitar su página web oficial, ¡muy completa!

Lori Meyers: Cuando el destino nos alcance

Las expectativas eran altas. Con Cronolánea, los chicos de Loja habían dejado el listón muy alto. Y es que su anterior trabajo, publicado en 2008, contaba con un sonido característico y propio, además de tener una fluidez de ritmo envidiable a lo largo de todo el álbum. En estas circunstancias, lo más lógico y previsible hubiera sido que los granadinos hubiesen seguido una línea de continuidad con su nuevo lanzamiento, profundizando en la fórmula que tan bien les había funcionado.

Pero Lori Meyers han ido más allá. Con voluntad de seguir evolucionando, acaban de presentar Cuando el destino nos alcance, un álbum con 11 canciones que con Mi Realidad como carta de presentación, han roto los esquemas y expectativas que pudiéramos tener en mente. Las reacciones iniciales al single fueron, en su mayoría, de desconcierto. Críticas para todos los gustos se podían leer en las redes sociales. Sin embargo, con el disco completo a nuestro alcance, podemos establecer dos cosas.

La primera, los Lori se han arriesgado, y han publicado un álbum distinto a todo lo que habían hecho hasta el momento. Precisamente por esto, son necesarias algunas escuchas para empezar a entrar en este laberinto: cada canción es un mundo, una sensación, un sonido distinto.

La segunda cosa es que les ha salido bien. Los nuevos temas son más que interesantes; y lo que es más importante, no han perdido la esencia del grupo, que quizás algún día sepamos donde se encuentra. Quizás en la particular voz de Noni, quizás en sus melodías o en sus potentes bases que destilan pop y rock a partes iguales. Aunque bien pensado, quizás la quintaesencia se halle precisamente en ser Lori Meyers: siempre ellos y siempre nuevos.

Escucha "Cuando el destino nos alcance" en Spotify!

Recordando a Ronnie James Dio

Hoy nos permitimos adentrarnos en un género que no solemos tocar, pero por el que yo misma no oculto mi enamoramiento: el Heavy Metal. En ocasiones considerado marginal, desde sus primeros sonidos allá por los años 60 (parece que lo teóricos no acaban de ponerse de acuerdo exactamente del momento), este género del rock ha dado numerosos nombres de gran calidad; lamentablemente, como siempre en estos casos, uno de esos nombres se despedía de nosotros ayer, a causa de la enfermedad que arrastraba desde hacía seis meses: Ronnie James Dio.

Quizás para algunos este nombre no diga mucho de entrada, pero... ¿alguno de nosotros no ha hecho alguna vez los famosos cuernos en cualquier concierto más o menos "duro"? Pues según parece, este gesto se lo debemos a él... Quizás ahora empecemos a situarnos. De cualquier modo, nuestra entrada de hoy va dedicada a Ronnie James Dio, uno de los ya míticos vocalistas del metal.

Sus principios los encontramos en la banda Elf, que causó tal impacto a Ian Paice y Roger Glover, ambos miembros de Deep Purple, que dedicieron producir uno de sus trabajos, para llevarlos más tarde como teloneros en gira. Tras esta etapa, el guitarra de Deep Purple, Ritchie Blackmore, inició su proyecto en solitario, Rainbow: aquí las voces corrieron a cargo de Dio, y fue aquí donde empezó a ascender su popularidad. Años más tarde, fue sonada su entrada en Black Sabbath en sustitución de Ozzy Osbourne, que empezó a rehabilitarse de las adicciones que arrastraba en los últimos tiempos. Más adelante llegaron sus proyectos en solitario,  al frente de una banda llamada simplemente Dio, y más tarde con otra formación, Heaven and Hell.

Casi cincuenta años en el mundo del rock se dicen pronto, y por supuesto, la lista de temas que nos ha legado es ingente: Man of the silver mountain, Children of the Sea, Die young, Don't talk to strangers o Holy Diver son solo una pequeña muestra.

De cualquier modo, si hemos de despedirnos de Dio, nos gustaría hacerlo con una de las intervenciones más simpáticas que protagonizó en el mundo del cine. Se trata de su aparición en la película Tenacious D, protagonizada por Jack Black y Kyle Glass. En el fragmento, el crío incomprendido apasionado del rock, tras una bronca monumental de su padre (que no es otro que Meat Loaf) le pide consejo al póster de Dio que cuelga tras su puerta.

Así pues, su trayectoria ha sido toda una lección de música, de actitud y de entrega, y hemos querido recordarla en estas breves líneas.

Tenacious D - Kickapoo

 

De festivales y otros cuentos... (I)

Esta vez parece que la pausa ha sido un poco más larga, las exigencias académicas en ocasiones acarrean sus consecuencias y no se licencia una todos los días. Así que, dicho esto, espero que a partir de ahora volvamos a poder estar en contacto con la frecuencia deseable en estos casos! :)

En estos días de ausencia han pasado muchas cosas en el mundo musical que nos rodea, algunas de las cuales iremos recuperando. Y entre ellas, han aparecido varios carteles de festivales más que interesantes. Hoy compartiremos con vosotros dos de ellos, que tienen en común su ubicación en tierras catalanas, aunque cada uno con sus particulares puntos fuertes... ¡Empezamos!

1. Estrella Damm Faraday 2010

Entorno agradable, precio asequible, cartel más que interesante. Todo esto es el Festival Faraday. Con sede en Vilanova i la Geltrú, población catalana que periódicamente produce grupos tan destacables como La Brigada , encabeza su cartel con la actuación de Jeff Tweedy, líder de la banda Wilco, que a estas alturas no necesita presentación. Asimismo, combinan la oferta nacional, con nombres como Maika Makovski, Los Punsetes o Mujeres, con otros como los ingleses The Wedding Present o los veteranos Clem Snide, procedentes de Boston, que esta vez ofreceran un concierto especial en el que interpretaran el álbum "Zuma" de Neil Young. En definitiva, un festival muy completo indicado para aquellos que gustéis de la música anglófona.

2. PopArb 2010

Este festival se caracteriza principalmente por dos cosas: su entorno envidiable en plena naturaleza y su capacidad de aglutinar en un solo fin de semana a un gran número de nombres importantes de la escena musical catalana. En esta edición, Standstill, Dorian o Els Amics de les Arts son algunos de los grupos que pasarán por los escenarios de Arbúcies. Muy recomendable.

A lo largo de estos días comentaremos algunos otros festivales que se realizarán en estos próximos meses, ¡seguiremos conectados!

Niños Mutantes

Desde Granada, los Niños Mutantes atacan de nuevo con su último trabajo "Las noches de insomnio". Desde Libertad Sonora hablamos con ellos. ¿Queréis saber qué nos contaron?

• Las letras de Niños Mutantes parecen estar siempre cargadas de sentido, temas como “Todo es el momento” de vuestro anterior álbum o “Las chicas en bikini”, de vuestro último trabajo son prueba de ello. De todas formas, parece que entre uno y otro, la perspectiva cambia, ¿hay ahora más desencanto?

Siempre hemos mostrado nuestro inconformismo con la realidad que nos rodea, utilizando nuestras canciones (Isabelita, Gente normal, Oso polar, etc…) como terapia para librarnos de nuestros demonios, en lugar de tener que acudir a algún tipo de terapia mental… pero puede que en “Las noches de insomnio” haya una mayor dosis de desencanto.

• ¿Cómo encarásteis la composición y creación de este nuevo disco?

La verdad es que pensábamos que habíamos tocado techo con “Todo es el momento” y que iba a ser muy difícil superarlo, pero la verdad, pienso que al final este disco es muy variado y a nivel compositivo puede que hasta lo supere.

• ¿Consideráis que existe una evolución en “Las noches de insomnio” respecto a vuestros anteriores trabajos?

Como artistas creemos que hemos de estar en permanente cambio, aunque en algunas ocasiones eso suponga echar la vista atrás. De hecho para este disco queríamos recuperar un poco la rabia y la emoción de nuestro primer álbum “Mano, parque, paseo”. También hemos recurrido a referencias que teníamos olvidadas como Pavement o Nirvana.

• Habéis comentado en alguna ocasión la influencia de grupos del pasado como Los Brincos, pero, encontramos también nuevos aires en este trabajo. ¿Se ha incorporado alguna otra banda pasada a vuestras influencias?

Hay muchas bandas del pasado que pueden estar presentes en nuestras influencias porque son atemporales y no paramos de escucharlas, como por ejemplo Love, Pink Floyd, Bob Dylan, Buffalo Springfield, Velvet Underground, y un largo etcétera…

• Pisando un terreno más personal, en vuestro anterior disco dabais una preciosa bienvenida a Daniela. ¿Cómo lleváis la combinación entre vida familiar y vuestro trabajo como músicos?

La paternidad es una de las cosas más maravillosas que hay en la vida. Es un auténtico viaje sin moverse de casa, la mayor aventura diría yo… Y bueno, gracias a la colaboración de sus madres y sus abuelos, podemos seguir haciendo canciones y tocando en directo.

• No puedo dejar de preguntaros por la actividad musical de Granada, una ciudad que a lo largo de los años no ha dejado de dar grandes nombres en el mundo del pop nacional. ¿Qué tiene ese rincón mágico? ¿Os sentís parte de ello?

Supongo que igual que en Cádiz se dedican a las chirigotas y en Sevilla a la Semana Santa, en Granada nos dedicamos al pop…  La razón no la sabemos, pero nos sentimos parte de este trocito que parece recortado del mapa británico.

• Respecto a la presentación del álbum, ¿se prevé mucho movimiento sobre las tablas en los próximos meses?

En esta ocasión hemos decidido reducir las ciudades en las que presentemos nuestro nuevo álbum. Ahora vamos a tocar en Madrid, Barcelona, Valencia, Murcia, Granada, Santiago, y a la vuelta del verano visitaremos otras ciudades como Sevilla, Málaga, Bilbao o Zaragoza.

• Para terminar, un momento destacado en vuestro último año y uno que se espere para el que vendrá.

En el último año hemos cambiado de discográfica después de 10 años con Astro, y hemos  iniciado una nueva andadura con Ernie que esperemos que a lo largo de este año y el próximo dé muchos frutos.

Escucha a los Niños Mutantes en su MySpace!

Música en las "Festes de Primavera de l'Hospitalet"

Aunque parece que este año el sol está haciéndose de rogar, la primavera ha llegado, y con ella, los festivales y conciertos. Un año más, destacamos una de las primeras citas musicales de estos meses (además de gratuita): les Festes de Primavera de l'Hospitalet. En otras ocasiones, grupos como Vetusta Morla o Sweater han pisado sus escenarios: esta vez, entre el 22 y el 25 de abril encontramos las siguientes propuestas musicales...

Jueves 22 de abril.

• 
  
  21.00 h: Los Barrankillos 


• 
  
  22.00 h: Tomasito & Los Delinqüentes “GA-RRA-PA-TO-MA-SI-TE-AN-DO desde Jerez”

Viernes 23 de abril

• 21.00 h: El Nota


• 22.00 h: The Bares Band 


• 23.00 h: O’Funk’illo

[caption id="" align="aligncenter" width="360" caption="Los bilbaínos "We are standard" también estarán en las Festes de Primavera"][/caption]

Sábado 24 de abril:

• 21:00 h: Nudozurdo


• 22:00 h: We are standard


• 23:00 h: Vive la Fête

Todos estos conciertos tendrán lugar en Avda. Josep Tarradellas, delante del centro Tecla Sala.

Además, solistas como Antonio Orozco o Pedro Javier Hermosilla o grupos como Estopa, también se encuentran en otros recintos durante les Festes. Como veis para todos los gustos.

De cualquier modo, desde Libertad Sonora proponemos la noche del sábado como plato fuerte, con tres grupos destacados del panorama alternativo: Nudozurdo, We are standard y Vive la Fête. ¡Sin olvidar la diversión de calidad de los sevillanos O'Funk'illo!

Y si queréis más información... ¡no tenéis más que hacer click aquí!

De vuelta con una propuesta musical... ¡de cine!

¡Saludos a todos!

Volvemos a la carga tras unos días cargados de trabajo extra-bloguero. Parece que todo vuelve a su lugar, y queremos aprovechar el momento para presentaros una propuesta que empezará a rodar por algunas salas españolas a lo largo de este mes de abril.

Muchos de vosotros, versados en los artes de la Red de Redes, habréis oído hablar de ella. Se trata de "Ingrid", una película estrenada en la 42 Edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges, y en la que se dan cita muchos nombres habituales en Internet. Y es que es precisamente de ahí de donde surge la idea misma del film. Interpretada por una novel Elena Serrano y escrita y dirigida por Eduard Cortés, recorre la tempestuosa vida de una joven y excéntrica artista a través de su relación con Àlex, un nuevo vecino recién separado interpretado por el conocido actor catalán Eduard Farelo.

Os preguntaréis a qué viene que estemos hablando de cine en nuestro espacio. Pues bien, es simple. Tanto actores, como diseñadores gráficos, como muchos otros profesionales de la película han surgido de la escena independiente internáutica. (¿Recordais la entrevista que le hicimos a Marta Puig alias Lyona?) Pues los músicos no son una excepción. Coordinada por Micka Luna, la banda sonora la integran grupos tan conocidos para nosotros como Manos de Topo, La Casa Azul o Love of Lesbian.

En fin, seguiremos pendientes de este estreno, que esperamos vaya más allá del mero escaparate de promoción de los artistas que en ella participan. ¡Y bienvenidos de nuevo a este espacio!

Lo último de Niños Mutantes ya disponible en myspace.com!

Volvemos a la carga para comunicaros uno de los estrenos más esperados. "Las noches de insomnio", la nueva entrega de los granadinos Niños Mutantes, ya puede escucharse a través de MySpace! Temas como "Quien es mejor", "La voz" o "Mar y cielo", se descubren en este nuevo disco, que cuenta con un precedente difícil de superar: "Todo es el momento".

[caption id="" align="aligncenter" width="454" caption="Foto: Antonio García Olmedo"][/caption]

Habrá que esperar hasta el 22 de este mes de marzo para su salida oficial, pero mientras tanto, os recomendamos su escucha atenta a través del siguiente enlace.

Haz click aquí para aceder al MySpace oficial de Niños Mutantes

Retrospectiva: Lone Star

por José Montes

Nuestra mirada retrospectiva de hoy va dirigida hacia uno de los grandes grupos históricos de nuestro país: Lone Star. No es un grupo típico, y es por muchos considerado una de las formaciones musicalmente más interesantes que ha dado nuestra música, pese a que para otros muchos no sea fácil dar un título de su discografía. Pioneros en muchos ámbitos, como la composición en inglés o la combinación de géneros, indudablemente merecen un lugar en este espacio.

La historia empieza en 1959, cuando el barcelonés Pedro Gené (pianista de conservatorio), se marcha durante un año a Londres, donde vive toda la eclosión del nuevo sonido del rock. A su vuelta a la capital catalana, trae consigo la idea de formar un grupo. Así que reúne a unos compañeros de estudio y de ahí nace la primera formación: Rafael de la Vega (bajo), Enrique López (batería), Enric Fuster (piano) y Pedro Gené  (voz y guitarra). A lo largo de la larga carrera del grupo (su primer disco se grabó en 1962 y sus últimos conciertos  fueron en 1996), los cambios en su formación fueron constantes (llegaron a haber quince componentes diferentes), aunque el grupo nunca dejó de contar con su fundador.

Una vez definida la banda, su camino discográfico se inició con EP de cuatro canciones, de las cuales destaca  “My Babe”; no en vano, es el primer rock en inglés grabado en España.

Los logros siguieron. En uno de sus siguientes EPs, Lone Star graba una versión en castellano de "House of the rising sun" de The Animals, traducida como “La casa del sol naciente”. Su éxito es tal que en España y Sudamérica llega a venderse más que la versión original,  lo cual lleva a EMI a organizar un concierto con ambos grupos. De nuevo el éxito de la iniciativa, obligó a EMI a repetir el evento.

Corría el año 1965. Pedro intentaba lanzar sus propias canciones, pero EMI  solo quería versiones para seguir cosechando ventas: "Comprensión" ("Don't let me be misunderstood"), Yo lloro (I'm crying) o Muy lejos de aquí (We gotta get out of this place), así como también alguna de los Rolling Stones como "Satisfacción" o "Aquí en mi nube".

Por fin en 1966, Gené consigue un acuerdo con la discográfica y lanzan un disco compuesto al cincuenta por ciento de versiones y creaciones propias: “Antología de un conjunto “, del cual destacan “La leyenda” y “Río sin fin”. Y es aquí cuando comienza la verdadera etapa de creación propia del grupo, que por aquel entonces hacían algo inusual: tocaban rock y jazz, dividiendo incluso sus conciertos en estos dos géneros.

Los éxitos se suceden: “Mi calle” o “Lyla” (1968), “La trilogía” (que fue elegido mejor tema del año 1969), “Spring 70” (1970) o en 1972 “Chica solitaria“ o “My Sweet Marlene”. Es en ese año cuando Lone Star realiza conciertos en lugares tan dispares como el portaviones estadounidense “John Fitzgerald Kennedy” o el Palau de la Música Catalana, lugar por aquel entonces poco dado a ese tipo de eventos. Vale decir que en aquella ocasión, al jazz y al rock se añadió la música clásica.

Tras “Pobre pescador” (1974) con la discográfica Diresa, en 1975 y con Diplo Records, consiguen otro de sus hitos como banda: se convierten en el primer grupo en hacer “rock català“. En los años siguientes, el grupo sigue el carrusel de cambios internos y de publicación de álbumes, aunque ya sin tanto éxito. Pese a ello, en la memoria quedan momentos como el concierto que ofrecieron en Montjuïc junto a Eric Burdon  en 1982 en la “Festa del Treball” con una asistencia de 120.000 personas. Ese mismo año graban el que sería su último gran trabajo,  “Viejo Lobo”.

En la década de los noventa, tras cuarenta años de carrera, el grupo hizo algunas apariciones, como la del festival GREC de Barcelona en 1996, donde interpretaron sus éxitos con amigos como Manolo García, Loquillo, Los Rebeldes o Rosendo. Su despedida definitiva llegaría poco después con un concierto en el "Mercat de Música Viva de Vic". Así se cerraba la historia de uno de los grupos más importantes, como también menos conocidos y valorados de nuestra historia musical.

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