Christina es veterana pero sus trabajos suenan frescos y vivos como nunca. Tu labio superior, su anterior trabajo, vio la luz en 2008, y los medios pero sobretodo el público lo recibió como agua de Mayo. Algo así sucede con este recién estrenado disco, La joven Dolores, que en esta ocasión está cantado (y contado) íntegramente en castellano. Su título no es casual: el conjunto de canciones está impregnado por un tinte nostálgico, que salta hacia atrás, hacia playas y otros escondites. Hacia historias personales con barcos e islas. Este ambiente se palpa claro en títulos como Jorge y yo.
Y es que la lírica es uno de los puntos fuertes de Rosenvinge. Con influencias declaradamente femeninas como Alejandra Pizarnik o Anne Sexton, las letras tratan múltiples puntos de vista del amor, basándose incluso en historia antigua y mitología para escribirlas, como contaba en esta interesante entrevista. Así, dentro de su estilo lánguido y fundente, este disco sigue presentando letras susurrantes y trabajadas, evocadoras y provocativas.
Respecto al ritmo del álbum, se trata de un disco tranquilo y lineal, que da comienzo con una suave Canción del eco y va animándose ligeramente a medida que avanza. Entre ellos se encuentra el single con que ha presentado este álbum, Mi vida bajo el agua, uno de aquellos temas que a la primera escucha parecen adherirse a nuestro córtex para no salir de ahí. Pese a echar de menos algún corte más al estilo incorrecto de Tu boca o Negro cinturón, (por referir alguno de sus temas más recientes) el resultado final de esta joven Dolores es agradable y completo, manteniéndose fiel al estilo de Christina. ¿Y no era sino eso lo que esperábamos?
Este domingo 6 de enero cerraba sus puertas la ya tradicional Fira del Disc, este año en su novena edición, que durante tres días ha concentrado la actividad del coleccionismo musical en la capital catalana. Aficionados, melómanos y auténticos profesionales de este gremio llegados de distintos puntos de nuestra geografía han ocupado sus stands con grandes cubetas llenas de discos de vinilo, CD's i DVD's de todos los estilos imaginables. Puede resultar curioso y hasta paradójico que en estos tiempos en que el formato físico se da por muerto y enterrado sobrevivan este tipo de actividades, así que, para acabar de profundizar en ello qué mejor que pasarnos por allí y conocer el asunto de primera mano.
Nos acercamos a uno de los stands de la feria. En él conocemos a Ramon Robert Vilaseca, un acérrimo coleccionista centrado en el vinilo que nos cuenta que pese a no haberlos contado, la colección de su almacén de Igualada reúne unos 20.000 ejemplares. Hablando de grupos, los reyes de esta Fira están claros: The Beatles. Están presentes en todos los stands y tal y como nos cuentan, la gente sigue viniendo a buscarlos, aunque para Ramon, no existen fronteras de géneros para la buena música: "la buena música es aquella que trasciende en el tiempo. Actualmente hay muchos que sobreviven gracias al éxito inmediato, pero es solo coyuntural. Los clásicos siguen siéndolo siempre". También le preguntamos por Internet: "La gente más joven tiene toneladas de música. Mi hijo me cuenta: tengo la discografía completa de Neil Young. Mi respuesta es: ¿cómo la tienes? Muchas veces no se diferencia ni el álbum, ni el año de edición, ni muchas otras cosas".
Nos paramos también en el stand de Egara Discos, afincados en Terrassa, y esta vez sólo centrados en los CD's: rarezas, CD singles y directos. Impresiona la cantidad de curiosidades que podemos encontrar en esta parada, que durante el resto del año vende exclusivamente a través de Internet: "A nosotros Internet nos ha hecho bajar ligeramente en las ferias. El ciente puede comprar durante todo el año, no tiene porqué esperar a la cita anual". Hablamos también sobre la figura del coleccionista, sobre descargas y sobre crisis, y lo tienen claro: "Internet no cambia las cosas en ese sentido. Quien era coleccionista antes, sigue siéndolo ahora." Aunque sí reconoce la parte negativa: las nuevas generaciones no lo consideran un asunto cultural. "Así como regalar libros se considera regalar cultura, la música para mucha gente y cada vez más es algo que escuchas accidentalmente en el coche, en la radio o mientras haces otras cosas. Eso sólo puede cambiarse educando".
Xavier Hurtado, organizador de el evento, no da abasto en su stand, uno de los más extensos de la feria. Conseguimos conversar con él y, coincidiendo con las opiniones anteriores se muestra muy satisfecho del resultado de la Fira: "el balance es muy positivo, incluso hemos crecido con respecto a otros años". Igualmente, aunque el perfil que vemos es mayoritariamente masculino y de mediana edad, para Xavier "siempre hay un público fiel, pero se acerca gente de todo tipo".
Al hilo de nuestras impresiones, justo ayer leíamos en El Periódico de Catalunya un artículo de Joan Barril titulado "El desamparo de los sin papeles" en el que, con palabras certeras el periodista se imbuía de una sensación de fin de época al abordar el asunto cultural desde el punto de vista del papel, concretamente, de la nostalgia del papel. Tras nuestra visita a la Fira nos da por pensar en esta nostalgia del disco. Se trata realmente de una manera distinta de escuchar y de concebir la música, de dotarla de tiempo, de atención. Contrariamente a lo que pudiera parecer, sus profesionales y aficionados no consideran Internet como un enemigo, sino como un aliado, que puede permitirles acceder más rápidamente a nuevas recomendaciones o a nuevos coleccionistas. Pero para ellos la música es algo más que un fichero inmaterial: el formato disco tiene su razón de ser, lo entienden, lo interiorizan y dan la impresión de conocer al detalle cada uno de los ejemplares contenidos en su haber. Y pese a todo, no podemos evitar una cierta sensación de melancolía al salir del recinto. ¿Durante cuánto tiempo más existirá gente que valore el disco físico, que lo entienda como algo que puede estar vivo? ¿Acabarán los coleccionistas musicales convertidos en los nuevos anticuarios?
Para terminar volveremos a las líneas finales del artículo de Barril, en las quereproducía una frase de uno de los clientes de una tienda especializada: "Somos menos, el papel será más caro, pero se está acercando el momento en el que lo que vamos a escribir y el lugar sobre el que escribiremos será el gran encuentro entre arte y artesanía". ¿No será quizás el posible camino también en el mundo del coleccionismo musical?
El nombre de Nick Hornby parece llevar asociada la palabra música. Alta Fidelidad, 31 canciones, y ahora esta Juliet, Naked, que aquí se ha dado en traducir como Juliet, desnuda, perdiendo parte del significado original del título. Y es que es Naked no es sino el nombre de un álbum compuesto de versiones "sin producir" de un primer Juliet, el álbum estrella que encumbró al cantautor Tucker Crowe allá por los años ochenta.
El personaje creado por Hornby se presenta al inicio como una suerte de genio misterioso del que desde entonces nada se sabe, los seguidores del cual forman una comunidad "croweóloga" en un principio minoritaria pero a la que Internet ha dado la posibilidad de articularse y expandirse. Sin embargo, al poco descubriremos que Crowe no es más que una persona normal, como también lo son Duncan, uno de los más expertos conocedores de su vida y obra, y Annie, su compañera desde la universidad, quien se encuentra inmersa en su propia revolución personal.
Pese a todo, o gracias a ello, el libro destila humor e ironía por los cuatro costados, además de ciertas dosis de reflexión. La mitomanía, el intelectualismo entorno a los artistas y la presión que puede suponer, y sobretodo historias muy humanas. Pero más allá de cualquier consideración, este libro es terriblemente divertido. Si alguno cometiera el error de enfocar su lectura con actitud seria/gafapastera se iría viendo retratado página tras página, decepcionándose por lo trivial de algunas situaciones. Pero esa es precisamente la trampa, el quid de la cuestión: no tomarse nada demasiado en serio y simplemente disfrutar. Y para ello, Juliet, Naked, es una magnifica opción. Un libro imprescindible para melómanos, ¡y para los que no lo son!
El invierno también puede ser un buen tiempo para escuchar a música de autor. Cierto es que muchas veces quizás nos apetece más algo de música densa y urbana para lidiar con estos fríos, aunque tampoco está de más un poco de introspección. Y es ahí donde entra esta cuarta entrega deIron & Wine, o lo que es lo mismo, el proyecto del estadounidense Sam Beam. Bajo el título Kiss each other clean, presenta un conjunto de temas que trascienden la barrera del folk de cantautor, y se adentran en terrenos como el pop e incluso el funky. Las influencias en la música de Iron & Wine son palpables. Son ideas con sabor añejo pero con un sonido plenamente actual. ¿Referencias? Simon & Garfunkel o Neil Young están presentes casi a perpetuidad, aunque, ¿somos los únicos a los que la voz timbrada de Beam les recuerda en ocasiones al más suave Michael Jackson?
Repasando más concretamente los temas que componen este nuevo álbum, podríamos su inicio melódico con Walking far from home, tema que se desarrolla a lo largo de sus casi cinco minutos de duración de manera creciente, añadiendo base rítmica, coros y arreglos que lo dotan de una intensidad particular. Con Me & Lazarus nos sigue mostrando el camino abierto a estilos distintos que se intuía en el primer corte, volviendo a aires más clásicos con Three by the river. De ahí en adelante se sucede el juego e intercambio de estilos, Big burned hand, o Your fake name is enough for me, que cierra el álbum, son prueba de ello.
En definitiva, parece claro que quedan lejos los días de arreglos, podríamos decir, minimalistas, de sus primeros tiempos, ya que, si bien los últimos trabajos de Iron & Wine ya contaban con el respaldo de una banda y un sonido más producido, este Kiss each other clean va más allá, proponiendo casi una fusión de estilos enmarcada en un estilo propio ineludible. Y es que en invierno siempre va bien recordar la primavera.
Les esperábamos desde hace meses pero al fin este viernes 28, los granadinos Lori Meyers aterrizaron en la Sala Apolo de Barcelona. Precedidos de unos enérgicos aunque un tanto difusos Elastic Band, a eso de las nueve y media de la noche aparecieron en el escenario, donde durante algo más de dos horas el grupo se dedicó a disfrutar y a hacer disfrutar a un aforo completo, que pese a haber empezado la noche un tanto frío, acabó haciendo de la sala una gran fiesta pop.
Una de las incógnitas para muchos era si los sonidos nuevos que impregnan su último trabajo cuajarían en los directos, si casarían con los Lori del "Viaje de Estudios" o si, por el contrario, habrían evolucionado de tal manera que este último disco supusiera un punto y a parte también en sus directos. Pues bien, parece que estas dudas ya tienen respuesta. Y es que no sólo no abandonan sus principios sino que los integran perfectamente en el conjunto, y podemos decir que un gran número de temas como Hostal Pimodan, Tokio ya no nos quiere, La mujer esponja o Sus nuevos zapatos suenan mejor que nunca, con la voz de Noni más abierta, directa y precisa.
El punto tierno lo puso Luciérnagas y Mariposas, que contó con la colaboración de Santi y Juli de Love of Lesbian, que consiguió seguir subiendo la temperatura de la sala. Aunque la fiesta se desató completamente con los temas que se esperaban por primera vez, los pertenecientes a "Cuando el destino nos alcance": Televisión, Explícame, y sobretodo, Mi realidad y A-ha han vuelto, durante el cual se proyectó el recién estrenado vídeo del tema dirigido por Lyona, que también estuvo presente, lanzando cintas rosas al público.
La noche terminó con tremenda versión de La caza, de Juan y Junior, y como no podía ser de otra manera, Alta Fidelidad, que, tras palmearla a modo rumba, terminaron cantando con su acento granadino, cosa que le dio una frescura especial que nos hace incluso querer escuchar más canciones sin filtro, con esa autenticidad.
De cualquier manera, fuimos testigos de un concierto completo, vivido, disfrutado. Y es que, una de las grandes virtudes deLori Meyers es La capacidad de emocionar y, sobretodo, de hacerte sonreír.
En ocasiones sucede que tras un primer álbum que nos entusiasma, llega un segundo. Y nos gusta. Bien sabemos que no es siempre así, pero este "Ritual", segunda entrega de los británicos White Lies, cumple con las expectativas.
Pese a que no es un álbum de fácil digestión a primera escucha, los chicos de Harry McVeigh, consiguen firmar un conjunto de 12 canciones que no pierden un ápice de aquello que les dio a conocer: un sonido denso, oscuro y urbano, esencialmente inglés, que nos devuelve a la memoria a grandes nombres como Joy Division o The Smiths.
Pese a todo, "Ritual" no es simplemente una prolongación de aquel primer "To lose My life", con las ventajas o inconvenientes que eso conlleve, según el gusto de cada uno. Han sido dos años de distancia entre ambos trabajos lo que probablemente les haya hecho incorporar muevas bases más limpias o incluso cercanas a la música de baile (los cortes Is love o Strangers son prueba de ello). También encontramos sonidos con reminiscencias ochenteras, Holy Ghost, o incluso aires que con menos electrónica y más bombo y guitarreo, no quedarían fuera de lugar en un álbum de algún grupo mas cercano al hardrock o incluso al heavy (véase Bad Love).
De cualquier modo, lo que es indudable es que, pese a la ausencia de algún hit más directo al estilo de aquel Farewell To the Fairground, este álbum combina rock, electrónica y emotividad a partes iguales. Ahora solo nos queda esperar hasta su próximo concierto.
Ya se ha convertido en tradición. La tarde del día de Año Nuevo, en casa se ve "Morning View Sessions", el concierto neoyorquino de la banda Incubus (concierto que cumplirá ya 10 años en 2012). Y es por eso que nos parece una buena manera de empezar este 2011 dar un repaso a este directo...
El concierto que recoge "Morning View Sessions" tuvo lugar en Nueva York el mismo día en que salió a la venta su álbum homónimo, el tercero de su lista iniciada en 1995 con "Fungus Amongus". La banda, emblema del rock alternativo de principios de la década de los 2000, se ha caracterizado por combinar el rock elaborado de voz clara y enérgica, con sonidos electrónicos, representados por Chris Kilmore, DJ integrante del grupo. Esta sonoridad propia queda perfectamente reflejada en este DVD, que combina tanto temas de sus álbumes anteriores (New Skin, procedente de S.C.I.E.N.C.E. o las imponentesPardon Me o Stellar, de Make Yourself).
Y tras la breve presentación, lo que nos interesa. ¿Qué encontramos en este concierto? Pues encontramos aquello que empieza a escasear en gran parte de grupos y artistas que emergen en estos últimos tiempos: música trabajada técnicamente, músicos con dominio de sus instrumentos y temas que trascienden la melodía fácil y la típica rueda de acordes habitual de tónica, subdominante, dominante y tónica de nuevo. La puesta en escena no es la que podríamos esperar de un grupo de estas características, dado que se presentan en una sala pequeña, con alfombras y cojines, y un público escaso pero atento, sentado en unas gradas muy cercanas. La buena noticia es que no por ello el conjunto pierde pizca de energía: temas como Nice to know you o el que se convirtió en el gran single de este disco Wish you were here, suenan directos y viscerales, además de impecablemente tocados.
Así pues, Morning View Sessions es el concierto adecuado tanto para aquellos seguidores del grupo, que podrán disfrutarlos sin artificios, como para aquellos que todavía no lo sean, que descubrirán, quizás no el grupo de su vida, pero seguro que más de un buen tema. Como ejemplo, el que os dejamos para cerrar: Drive. Una joya.
Nota para impacientes: el nuevo disco de Incubus se espera este 2011. Mientras tanto, siempre podéis bucear en la propuesta en solitario de Brandon Boyd, "The Wild Trapeze" (2010)
Uno de los temas clásicos que no puede faltar en salida nocturna que se precie es indudablemente "Kids", de MGMT, procedente de su álbum Oracular Spectacular, editado en 2007. Esta vez retomamos la sección Per-Versiones para echar un vistazo a las distintas visiones, estilos e incluso experimentos que esta canción ha generado. Comenzamos...
El vídeo original y el que pudo llegar a serlo
La primera per-versión de la lista es de tipo audiovisual. El caso del clip de este tema tuvo su miga. Pongámonos literarios y digamos que corría el mes de diciembre de 2007, cuando saltó a Internet un videoclip realizado por Jon Salmon, e interpretado por dos amigos suyos, para un proyecto universitario. ¿El resto de la historia? En este link la encontráis completamente desarrollada, pero podríamos resumirla en que el vídeo alcanzó una gran popularidad y acabó llegando a oídos (y ojos) de la banda, que contactó con ellos y les ofreció participar en su clip Electric Feel. Posteriormente apareció el vídeo oficial de la banda, que otorga una atmósfera distinta al tema pero igualmente atractiva, aunque quizás no tan espontánea. Compartimos aquí ambos vídeos... y que cada cual se quede con el que guste.
Publicada en 2009, esta versión corre a cargo del grupo inglés The Kooks, grupo que con temas como Naive o She moves in her own way, ofrecen un material más que respetable para aquellos que gusten del soft-rock con melodías pegadizas y estructuras simples. Aquí os dejamos la versión acústica del tema que nos ocupa...
El cantautor australiano Ben Leetambién quiso dar su propia visión de infancia musical con esta versión. Resulta ser la más tierna, ya que, aún siendo también acústica, el tempo es algo más lento, los acordes más arpegiados y la melodía más suavizada que en la versión anterior. Podéis oír la versión de estudio, que se publicó en 2009, en su disco Rebirth of Venus, pero nosotros preferimos ofreceros un vídeo de un directo muy particular. Aquí lo tenéis.
Dentro de esta categoría podríamos incluir también la de la banda de California Jack's Mannequin, ¡a un solo click!
La más folk: The Ooks of Hazard
Un grupo de nueve cantantes e instrumentistas, más concretamente, instrumentistas de ukelele. Esto es The Ooks of Hazard, de quienes, curiosamente, no hemos sido capaces de encontrar más información que esta... Así que, sin más, la per-versión más folkie de nuestra lista.
Son varios los grupos y solistas que se han lanzado a versionar este tema en sus directos, entre ellos, los californianos Jack's Mannequin, el rapero y productor B.o.B.(y es que también han caído en ella otros raperos comoChiddy Bang) o los mismos Weezer, que la fusionaron con el archiconocido Poker Face en un intento un tanto fallido. Pero por su trabajo de arreglos, delicadeza sonora y buenas intenciones nos quedamos con la deLady Danville, formados en 2007 en Los Angeles.
No es la más correcta musicalmente, no es la más famosa, ni tampoco la más alternativa. Pero no podemos hacer otra cosa que incluirla como colofón a nuestra lista, por el tema que trata y por sus peculiares intérpretes: el coro de voces blancas PS22. Dadles una oportunidad ;)
La entrevista que compartimos con vosotros es atípica. No se trata de un grupo de pop, ni de rock, ni de todo lo contrario. Hoy compartimos charla conJordi Clapés-Bot, que acaba de publicar su primer álbum "Right Sides", un álbum de música instrumental y atmosférica. ¿Será que en invierno nos es inevitable recogernos en nosotros mismos? En todo caso, una iniciativa más que interesante y original en el panorama musical. Un consejo, dedicadle un poco de tiempo. A ser posible, en soledad y con atención concentrada. Merece la pena.
Tu camino musical ha sido muy variado: estudios interpretativos, musicológicos, música antigua, música clásica… ¿cómo llega el momento de decidirse a hacer un álbum propio?
Nunca me he planteado los estudios como metas definitivas simplemente los he afrontado como una especie de "operación quirúrgica para añadir brazos a mi cuerpo" algo así como un sistema para que las ideas puedan florecer mas fácilmente. He flirteado con todo lo que me ha apetecido sin encasillarme nunca demasiado: clásica, antigua, musicología, diversos instrumentos... pero siempre de forma obsesiva, tratando de ahondar al máximo sabiendo que el interés hacia esto o lo otro no duraría para siempre: es mi suerte y mi perdición. Mi primer EP surge de hacer música pero también como un compendio extraño y borroso de mundos muy dispares: desde Bach hasta Tiersen pasando por Perotin, Brahms o Satie. Aí que el momento me llegó sólo y de una forma muy natural. Supongo que he decidido que ya tengo suficientes brazos extra por el momento.
Pese a provenir de campos formativos tan distintos, “Right Sides” tiene un alto componente de rock y música ambiental. ¿Cuáles son tus referentes en este campo?
Sinceramente no tengo referentes. Cuando era adolescente (y aún) escuchaba Bon Jovi, Dire Straits y poco cosa mas. AC/DC durante alguna época... y ya de mayorcito me enganché irremediablemente a Yann Tiersen. Me siento muy próximo a su forma de ver las cosas y por consiguiente a su música. Es el único que me ha calado. Pero el silencio me conviene y me convence mucho. No sigo a nadie y estoy muy poco enterado de que se hace. No conozco a practicamente a gente de rock o de música ambiental. Para el que compone vivir un poco apartado es básico.
Sorprende que seas tú mismo quien interprete todas las pistas del disco. ¿Qué ventajas o inconvenientes te ha reportado esta elección?
Ventajas muchas. Componer el disco es tocarlo en capas. No requerir a nadie mas es un alivio creativo. Mi música sale precisamente de esta soledad: se crea a través de la exploración íntima de una idea. Trabajo a partir de elementos fijos y construyo a partir de bases muy pequeñas. Nunca hago demos: el resultado final es precisamente el proceso creativo. Creo que lo maravilloso de la música es que nunca pierda cierta espontaneidad: todas mis canciones tienen una base improvisada que se mantiene en el resultado final.
Música instrumental. ¿Una decisión consciente?
Prefiero sugerir cosas mas que imponerlas. La música vocal requiere otra perspectiva. Me gusta que la música construya su propia historia, que con el tiempo genere en el oyente un fondo particular y diferente en cada caso. Quizá por eso se relaciona mi música con una etiqueta tan lejana a mi como es "música ambiental". Para nada quiero crear ambiente. Unicamente requiero que el oyente participe de la creación dando sentido: se conviente entonces en un actor, no en un espectador.
¿Qué opinas de las creaciones audiovisuales que hemos podido encontrar en la red, basadas en tu música?
Siempre es gratificante que la gente escuche y use tu música para otras cosas. se trata de lo que te decia antes: para mi el oyente no es un simple espectador, puede interactuar con la música hasta el punto de crear una cosa nueva a partir de lo que yo propuse: poemas, imagenes, videos... de momento todo lo que he visto es de muy buen gusto.
¿Qué van a encontrar aquellos que escuchen “Right Sides”?
Van a encontrar música poco agradecida: les requerirá esfuerzo , atención y paciencia. Son temas largos, complejos, con entramados contrapuntísticos y no siempre fáciles de digerir. Parece una mala propaganda pero en el fondo no lo és: es música que da recompensa al esforzado. Los temas se construyen de forma lineal, desarrollando ideas hasta descubrir sus contornos definitivos. Y de aquí el titulo del disco: Right sides es la búsqueda de los lados definitivos de mis "polígonos musicales"; el oyente entra en el proceso creativo, que al final es la obra en si. Parece un tanto rebuscado, pero la música habla por si sola. Mi intención es que, además, encuentren un hilo histórico herencia de los clásicos del s. XX. He notado una cosa asombrosa en mi público: las canciones gustan a pianistas de clásica, a rockeros, a músicos y no músicos. Cada uno encuentra, por el momento, lo que estaba buscando: reminiscencias de Mahler, guitarras distorsionadas, musica de café...
¿Cuáles son tus planes para el futuro más inmediato?
En 2011 me traslado a Berlin, donde daré forma a un segundo disco en el que ya estoy trabajando. Espero que este listo para el verano que viene. Además estoy pensando en dar algunos directos con música de Right sides en acústico. Evidentemente contando con una pequeña camarilla de músicos, aunque como decía antes, es dificil trabajar en equipo, así que ya se verá. Todas las novedades, de todas formas, se podrán leer en mi web o en la de mi promotora.
Y por último... ¡el test!
Un tema o pieza que te gustaría haber escrito: La pasión según san Mateo de Bach.
Un lugar para perderse. Un sotano cargado de trastos antiguos.
Un superhéroe. A. Fleming
Una película inspiradora: Casablanca
Un sueño por cumplir: vivir en la Costa Azul.
Podéis escuchar y/o comprar "Right Sides" a su autor en este enlace
Hoy queríamos hacer un repaso distinto a la música propia de estas fechas. Son innumerables los nombres propios que han hecho sus propias versiones de los tradicionales villancicos o bien han decidido musicar su propia versión de la Navidad. Así encontramos desde nombres clásicos como Judy Garland, Elvis Presley o Bing Crosby, a “pop stars” como Britney Spears, Backstreet Boys o Westlife, pasando por nombres como Elton John, Bryan Adams o Stevie Wonder.
Es complicado hacer una selección y se corre el peligro de morir de sobredosis de azúcar y buenos propósitos. En este caso, hemos decidido arriesgarnos, e ir un poco más allá de “Last Christmas” o “All I want for Christmas is you”. Así que dejémonos llevar, y echemos un vistazo a nuestro top ten de los villancicos más atípicos y originales.
10. Ramones – Merry Christmas
Los rockeros, como veremos en los villancicos siguientes, también dedican espacio a su Navidad. Empezamos con el “Merry Christmas (I don’t wanna fight tonight)” de Ramones, ¡incluye cascabeles!
Hace unos días llega a mis manos un disco recopilatorio de canciones para despertarse (todavía queda gente que compra discos), y en él me encuentro la canción “My Sharona” del grupoThe Knack. Esta canción y la historia que hay detrás me hace pensar en aquello que tantas veces se repite en el mundo de la música. Os invito a que le echemos un vistazo en esta nueva “Retrospectiva”.
The Knack: Un grupo que tocaba en locales californianos de los 70 melodías pegadizas acompañadas de riffs de guitarras, con un sonido distinto a la dominante música disco del momento. En 1979 firman con el sello Capitol y graban su primer disco Get The Knack, el cual se convierte en éxito arrollador. No hay más que pensar en su single “My Sharona”, que llega al nº 1 de Billboard siendo uno de los debuts más exitosos de la historia de la música. El disco incluyó también otros temas, muy bien valorados por la crítica de aquel entonces, como “Let me out”, “Your number or your name” o “Good girls don’t”.
Se convierten así en las estrellas del panorama musical estadounidense, y empiezan las comparaciones en prensa: “los nuevos Who”, “los nuevos Kinks”, incluso se llegó a decir que habían surgido “los nuevos Beatles”. Estas reacciones de la crítica no son siempre fáciles de digerir, y el grupo pasa a comportarse con un fuerte divismo, y empiezan a distanciarse de esa misma prensa que los había elogiado. Ya no conceden entrevistas, y actúan de forma un tanto prepotente; lo que se termina volviendo en su contra, con una campaña de desprestigio mediático bastante fuerte.
En medio de este clima tenso, en 1980, sale al mercado su segundo trabajo But the Little girls understand, disco que no tiene la fuerza de Get The Knack, pero puede considerarse un buen trabajo. Sin embargo, las críticas son bastante negativas y las ventas escasas. Round Trip en 1981, volvió a gustar a los críticos, pero las ventas no se recuperaron y el grupo se disolvió. A partir de ahí, varias reuniones en fechas posteriores, discos recopilatorios, incluso algún disco nuevo de estudio, pero todo se había acabado.
La historia deThe Knackha terminado definitivamente en este 2010 con la muerte del cantante y fundador del grupo Doug Fieger. En definitiva, una gran canción, para la historia de la música pop y un buen grupo que quedó en el camino… la historia, como decíamos, tantas veces repetida.
En estos días, con motivo de sus conciertos en España, la volvemos a tener incluso en los telediarios. Aunque prácticamente podríamos decir que su nombre no abandona, no sólo ya las páginas de magazines más o menos serios, sino las de actualidad de muchos periódicos. Y es que, guste o no, Lady Gaga ha sido el último revulsivo de la industria musical. Con una carrera corta, pero más que intensa, pasó de colarse en las discotecas con singles anodinos como Just Dance, época en la que no era posible prácticamente diferenciarla del resto de "productos femeninos musicales", a ser considerada la artista más influyente del planeta por la revista Time.
¿Qué pasó por el camino? No entraremos en este artículo a repasar los más y los menos de la carrera meteórica de la neoyorquina, para eso preferimos recomendar el artículo que sobre ella escribió nuestra Alaska en las páginas de El País Semanal. Lo que realmente buscamos con estas líneas (sí, nosotros también) es ir más allá de eso. Más allá de la imagen, más allá de las listas, más allá de los premios. Trascender la forma para buscar el fondo.
La forma en Gaga es el caos. Sus influencias se disipan en una neblina de incongruencias: versos de Rilke tatuados en el brazo, obsesión con Andy Warhol, "homenajes" a Bowie o el contratenor electrónico Klaus Nomi, además de la referencia ineludible: la reina del pop, Madonna. Añadámosle a este cocktail la moda histriónica y excéntrica, que nadie osaría llevar, y un discurso... No, mejor tratemos el discurso a parte.
Segundo, debilidad. Imprescindible para el caso la entrevista que concedió a RollingStone, publicada en el número 130 de su edición española, con frases como: “Hay algunas cosas [en mi vida] tan traumáticas que ni siquiera las recuerdo del todo”, sigue diciendo que “Hay que tener mucho cuidado con cuánto revelas a la gente que te admira” y cierra el asunto con la sentencia “Todas las cosas que he sufrido han sido consecuencia de mi búsqueda del arte, de mi intento de joderme a mí misma, como ya hicieron Warhol y Bowie y Mick, por ir a por ello”. Y esto nos lleva al tercer factor del discurso: las citasa la cultura de masas.
La música
Nuestro artículo avanza y de pronto echamos en falta algo: ¿esto no trataba de música? No nos pasa solo a nosotros, gran cantidad sino la mayor parte de información generada en torno a Gaga se centra en cualquiera de los aspectos que acabamos de mencionar. La música es el toque de gracia de toda su combinación. Creadora de las ideas que forman la base de sus discos (antes de pasar por el filtro de los productores más en boga, como RedOne), es especialista en presentar temas que cumplen con los estándares del pop más accesible: estribillos pegadizos, bases bailables y no demasiada profundidad lírica. Muchos de sus fans se obstinan en recalcar su potencial vocal: no somos quién nosotros para decir lo contrario, aunque sí ponemos el dedo en la llaga. La voz de Gaga suena poderosa en temas acústicos como Speechless, no tanto en grandes hits como Alejandro, en los que no deja de sorprendernos la diferencia de timbre entre las versiones grabadas y las versiones en directo. Ahí lo dejamos.
El cierre
Va siendo hora de cerrar esta reflexión. Si tuviéramos que dar una calificativo final al personaje, podría ser el de “reina indiscutible del collage”, aderezado con la capacidad de comunión con sus fans, ante los que se sitúa en el plano de (falsa) igualdad tan habitual en la era 2.0 (“Cuando estés solo, yo también lo estaré. En esto consiste la fama”). Innegable pues su capacidad de comunicación, innegable su influencia estética en un aburrido panorama internacional, innegable su mérito de trabajadora incansable. Pero desde el punto de vista musical, que es el que a nosotros más nos toca… mucha forma y poco fondo.
Este sábado 13 de noviembre el público alternativo de Barcelona se debatía entre dos de los conciertos más prometedores de este otoño. En las salas Razzmatazz y Razzmatazz 2, actuaban simultáneamente dos bandas americanas: los neoyorquinos Vampire Weekend, en la sala grande; y The Drums, desde Brooklyn, en el espacio vecino.
Dado que aún no contamos con el don divino de la ubicuidad, optamos por The Drums. Buenas críticas de sus directos, rumorología internáutica y referencias en prensa nos hacían pensar que estábamos ante una de las grandes promesas de la música indie, que la noche valdría la pena. Tras un descafeinado Patrick Cleandenim, de movimientos lánguidos y únicamente arropado por las bases electrónicas y la cantidad de ropa que llevaba encima (véase sombrero de ala ancha, americana, bufanda y guantes de piel) llegó el momento esperado. El público más que predispuesto (no olvidemos que la demanda de entradas obligó a la organización a buscar un recinto más grande que la sala inicial BeCool) yBest Friend, el primer corte del álbum. Y llega el desconcierto.
Los movimientos histriónicos y exagerados de cantante y guitarras (no hay bajo visible en esta banda), eran previsibles para cualquiera que se hubiera asomado a sus clips. Igualmente, el parecido de unos temas con otros, también era previsible. Pero dejando a un lado las canciones y su puesta en escena, que nadie podrá criticar por falta de energía, sí que existió una falta de delicadeza. La imagen de grupo estéticamente cuidado con melodías lineales al estilo británico de décadas pasadas, se vio truncada por un sonido difuso, donde la voz se perdía en multitud de ocasiones, y por una actitud más cercana a otros géneros como el punk, que contrastaba con aquella frase que se llegó a leer, que quizás no fueran los mejores, pero sí los mejor vestidos.
Así, y sobre bases pregrabadas de teclado y bajo, discurrió la noche, que por otra parte no fue muy larga; una hora escasa. Curiosamente, y volviendo a la sala vecina, el concierto deVampire Weekendterminaba con el público indignado y voceando: "manos arriba, esto es un atraco", tras una actuación igualmente corta. A nosotros, por lo menos, nos da que pensar...
Y de una gran voz femenina saltamos a otra, aunque en este caso en un género distinto. Dedicamos nuestra entrada de hoy al nuevo álbum de la revelación irlandesa Imelda May, que con su rockabilly actualizado consiguió con "Love Tattoo" (su álbum de debut publicado en 2008) llamar la atención de medio mundo, a juzgar por sus apariciones públicas en los medios y su presencia en gran número de festivales.
Como siempre en estos casos en que la primera entrega es tan destacada, el propio artista lo tiene difícil para superarse a sí mismo, puesto que las expectativas son muy altas. "Mayhem", que así se llama lo nuevo de May, llega además, por sorpresa: su lanzamiento no se esperaba hasta mediados de este mes y justamente lo hemos descubierto en Spotify! Así pues, desde Libertad Sonora nos disponemos a exprimirlo en palabras.
El single "Psycho", disponible desde antes de verano, nos daba ya alguna pista: si en "Love Tattoo" encontrábamos prácticamente la reproducción de uno de sus directos (aunque con la frialdad propia de las grabaciones de estudio), en su nuevo álbum la cosa cambia. Estamos ante un trabajo más producido: la base instrumental aumenta en varios de los temas con la incorporación de sección de viento, alguna que otra cuerda y otros instrumentos tales como el ukelele; además de múltiples planos de Imelda, en coros al más puro estilo fifties.
Por lo que a los temas incluidos respecta, llama la atención "Pulling the Rug", el primer corte del álbum, hecho a imagen y semejanza del gran "Johnny got a boom boom" de su anterior trabajo, pero como suele pasar cuando se busca repetir un éxito, uno acaba prefiriendo la versión original. A parte de esta anécdota que cabría calificar incluso como desliz, ha incorporado bastantes de los temas que ya solían aparecer en sus directos, como "All for you", "Proud and humble" o su versión del ya clásico de los ochenta "Tainted Love". ¿El resto? Canciones más melancólicas como "Too sad to cry", más folkies, como "Kentish Town Waltz" y otras con vocación de single, como el ya mencionado "Psycho" o el que le da título al álbum, "Mayhem".
En definitiva, un trabajo quizás más irregular en ritmo interno que su primer álbum, pero que sigue mostrando, aunque con un sonido más depurado, el gran potencial que tienen tanto la irlandesa como su banda; la cual por otra parte resulta imprescindible. Seguimos esperando su próximo paso por Barcelona: ahí, sin adornos, es donde podremos de nuevo disfrutar de la calidad y entrega del proyecto de Imelda May.
Recién anunciada la salida de este segundo álbum de la soprano finlandesa Tarja Turunen, en su etapa en solitario tras su época pasada en Nightwish, nos disponemos a oírlo. Su primera entrega fue un tanto decepcionante, su potencial vocal no acababa de definirse en un género. Se rodeó de grandes músicos, pero los temas no eran claros en sus estructuras y oscilaban a medio camino entre el metal, el new age y las atmósferas de bandas sonoras. De cualquier modo, sólo por su gran calidad vocal, decidimos atacar esta nueva entrega: "What lies beneath".
Y cuál es nuestra (grata) sorpresa, cuando descubrimos que la indefinición y los claroscuros de su primera entrega han sido ampliamente superados. Establece su sonido y nos deja claras cuáles son sus cartas: melodías interesantes, sorpresas armónicas, arreglos orquestales y coros para apoyar su voz, el mayor valor que posee. En este disco, Tarja apuesta por el metal sin reservas, la esfera donde el público más la aprecia, y ofrece once temas que no hemos tenido más remedio que analizar uno por uno.
1. Anteroom of Death w. Van Canto: Su introducción, la paertura del disco, nos sorprende. Alguien entra y se sienta a un clave, afinación. Empieza el tema con un estilo barroquizante y acústico, pero la entrada del estribillo nos coge desprevenidos: tempo contrastante y armonías inesperadas, pero solo por un momento. La estrofa crece al incorporarse la base rítmica de la banda. Vuelta al estribillo, que sigue desconcertando, pero ya nos hace querer volver a oírlo. Aparece entonces un puente con unas vocalizaciones al más puro estilo Tarja, ya sabemos donde estamos. Y de golpe, austeridad y entrada del conjunto vocal metal Van Canto: reminiscencias de power metal y de la intensidad épica que este género comporta culminando en la nueva entrada de la banda. Absolutamente impresionante, y aún más, al entrar las vocalizaciones de Tarja. Y de nuevo el estribillo, más intenso que nunca, hasta el final del tema. Original, arriesgado y acertado. La primera, en la frente.
2. Until my last breath: Más convencional, nos da un respiro tras el primer corte. Con una melodía introductoria pegadiza y una base potente, presenta una estructura muy clara y posee un estribillo pegadizo, propio de muchas bandas de la zona. Single absoluto.
3. I feel inmortal: balada que desde el principio promete intensidad, con todo y que la instrumentación y arreglos no son los típicos del género "oscuro", sino que cuentan con atmósferas amplias que recuerdan más a la new age. El diseño melódico del estribillo solo pueden permitírselo voces como la suya, y pese a la sorpresa inicial, resulta ser emocionante. Uno de los cortes más expresivos del álbum.
4. In for a kill: según ella describía, “su tema para película de James Bond”. Aparecen los bajos marcados y rítmicos desde el principio, y el estribillo nos ofrece uno de los highlights de la voz de Tarja, que aunque con una resolución un tanto difusa debido al gran vibrato utilizado, merece la pena sin dudarlo. Interludio orquestal que inevitablemente nos recuerda a Nightwish: pero somos de la opinión, que por buen motivo, siempre es bueno recordar los buenos momentos. Tema indiscutible.
5. Underneath: bajamos la adrenalina con la segunda balada. Melancólica y con tintes cinematográficos, nos sigue demostrando la versatilidad de esta gran vocalista, que puede presentarse dulce y pequeña o grande y poderosa, con una emisión impecable. Solo de guitarra que siempre se agradece a los que nos gusta el metal clásico y final a lo grande, para cerrar quedamente con un acorde mayor esperanzador desarrollado por la orquesta.
6. Little lies: guitarras potentes con un riff marcado que recuerda a bandas como Rammstein, y que pronto se transforma en una línea de bajo más que interesante. Estribillo más convencional seguido de coros a los que se incorpora el riff de entrada. Así, un tema interesante, que juega con coros, los riffs más duros que ha presentado hasta el momento y una melodía simple y pegadiza, ejecutada con un timbre limpio y directo. ¿Suena paranoico si le encontramos un toque vampírico?
7. Rivers of lust: Presentación austera del tema, con melodías líricas que de nuevo hacen lucirse a Tarja y un crescendo textural en el centro, para cerrar otra vez quedamente. Un acierto en el ritmo del disco.
8. Dark Star w. Phil Labonte. Y ahora toques orientalizantes y una distorsión fascinante en la guitarra. Y sorpresa, un toque electrónico en las bases que le sienta de maravilla. Nuevamente un tema convencional en el diseño, aunque la voz rasposa de Phil Labonte aporta un toque de novedad al álbum y al contrastar con Tarja produce un gran efecto.
9. Falling awake w. Joe Satriani. Los créditos del tema dan buenas expectativas y es que el single elegido para presentar este álbum es redondo. Buena base, buena melodía, suficientemente original para dar buena impresión, pero sin pasarse en las rarezas. El toque de calidad Satriani, sin comentarios. Uno de los temas más destacados del álbum en todos los sentidos: no hemos podido hacer una sola escucha sin acabar con un headbanging.
10. The archive of lost dreams: A capella para empezar y acompañamiento a lo new age, y por contraste con lo anterior, nos deshace. Un respiro.
11. Crimson Deep w. Will Calhoun: Y el cierre del disco no podía ser más espectacular. Si ya el acompañamiento de Doug Wimbish al bajo era impresionante, incorporarle a su compañero batería en Living Colour,Will Calhoun, le otorga una profundidad y una pegada a este tema que ya quisieran muchos. Impresionante sonoridad para un cierre de lujo.
Las altas temperaturas parece que a nuestro cuerpo sólo le pidan descano. Nuestra actividad desciende, en la medida en que nuestras obligaciones nos lo permiten, acoplando nuestro ritmo natural al ritmo propio de la estación. Suponemos que debe ser por eso que en estos días calurosos, nuestros oídos piden algo que vaya en consonancia, que estimule, pero que no aturda, que nos deje respirar.
Y ese es el caso del grupo que os presentamos hoy. Barcelona es su punto de partida, y respecto a su estilo, ellos mismos lo definen como una mezcla entre rock y electrónica; nosotros lo refrendamos con su propio nombre: "El arte de volar". Elegancia y buen hacer es lo que se transluce en su trabajo de presentación: Posible repertorio en estructura piramidal. Cortes como "Nos vamos" o "Facer nada" son pequeñas joyas de letras trabajadas y evocadoras, que las voces de Sandra de Victoria y Koke Alejo se encargan de relatar sin agobios ni prisas, de manera limpia y deslizante.
Por nuestra parte no podemos más que emplazaros a que echéis un vistazo a su página web oficial, donde podréis descargar de manera gratuita su álbum de presentación. Antes de terminar, hacer una mención a sus directos, donde el grupo se presenta acompañado de audiovisuales expresamente creados para la ocasión. Os dejamos con uno de ellos, "Facer Nada". Que lo disfrutéis, viviendo lento.
Pese a las vacaciones y la reflexión y perspectiva sobre las cosas que éstas conllevan, LibertadSonora vuelve a asomar la cabeza al mundo virtual para compartir con vosotros una nueva entrevista. En este caso, los que responden a nuestras preguntas son Magnètica, un trío madrileño recién llegado al panorama con su disco de debut, "Maida Vale", debajo del brazo; concretamente su voz: Davile Matellán. ¡Aquí os la dejamos!
Empecemos por completar una frase: Te gustará Magnética si te gusta... El brit-pop con letras en castellano. Hacemos canciones para quien las quiera escuchar.
Los primeros álbumes suelen surgir por necesidad. En vuestro caso, ¿qué fue lo que os empujó a sacar adelante este "Maida Vale"? Volvimos de Inglaterra con bastantes temas, y la mayoría estaban llenos de sentido para nosotros. Lo vimos claro: queríamos grabar un disco. Al principio esa era nuestra única pretensión, fue a medida que avanzaban las cosas cuando decidimos tirar para adelante con la creación del sello y todo lo demás. Lo cierto es que hemos estado muy bien aconsejados en el proceso y estamos muy contentos con el resultado.
Nos ha gustado mucho vuestro clip. ¿Qué podéis contarnos sobre su proceso de grabación? Pues se grabó en Barcelona. El video esta realizado por Lyona y todo lo que podemos tener hacia ella y su equipo son palabras de agradecimiento.Trabajar con ellos es muy fácil, son unos estupendos profesionales y los días que pasamos allí estuvimos muy a gusto. A ver si repetimos.
Todo local de ensayo tiene sus fetiches. ¿Qué encontramos en el local de Magnética?
Pues la verdad es que no somos demasiado maniáticos para eso. El local es un sitio en el que pasamos mucho tiempo, por lo que tratamos de tener todo lo indispensable para encontrarnos a gusto, pero nada extravagante. Más allá de eso nada en especial.
Tanto el origen del grupo como el de vuestro álbum se encuentra muy ligado al Reino Unido. ¿Qué hay de este país en vuestra música? Nos consideramos afortunados de haber vivido aquella experiencia londinense porque fue el caldo de cultivo de este proyecto. De una manera más visible se puede decir que musicalmente el álbum puede aproximarse a la corriente Británica, pero hay más. Fue allí donde se compusieron la mayoría de temas incluidos en Maida Vale y a eso nos llevo una serie de experiencias que allí vivimos que resultaron determinantes. En un entorno digital cada vez más saturado de información donde uno ya no sabe casi dónde mirar, ¿con qué ventajas e inconvenientes se encuentra un grupo novel? Tienes razón cuando dices lo de la saturación en la etapa digital en la que vivimos; pero nosotros preferimos verlo con buenos ojos y pensar que nos beneficia en el sentido de que estamos ahí, como el resto, en esa selva de información. Tenemos que trabajar duro para destacar un poco y eso es lo que queremos y lo que estamos haciendo… ¿Qué planes os esperan durante este año? La gira comenzara en Otoño, sobre Septiembre-Octubre, y la idea es recorrer el mayor número de salas posibles. Tenemos muchas ganas.
¡Y pasamos al test!
Una canción que os gustaría haber escrito: Creep, de Radiohead. Un lugar para perderse. Lisboa Un superhéroe. Superñoño Una película inspiradora. Big Fish Un directo es... Lo que más nos divierte y mas queremos cuidar. Estadio, teatro o sala: sala Un sueño por cumplir: Seguir vivos en esto.
Esta no es una entrada típica. Son las dos de la madrugada del viernes y acabo de llegar a casa. Estoy a punto de irme a dormir, toda yo soy cansancio después de toda la semana. Pero sin embargo, tengo necesidad de escribir unas cuantas líneas antes de retirarme. En estos días, son muchas las cosas que van aconteciendo, y afortunadamente, acontecen en el mundo musical.
Para empezar, en los días de ayer y hoy he podido asistir a las jornadas Digital Music 2.0 en el marco del Festival Sónar, donde en varias mesas de debate se ha discutido el estado del negocio musical, las nuevas tendencias, la viralidad, las redes sociales,... Tras unas cuantas horas de reflexión colectiva, no es fácil sacar conclusiones, y menos cuando la música electrónica retumba en tus oídos al salir del Auditorio. No disertaremos ahora sobre las posibles vías de escape del show business, sobretodo porque, pese a lo interesante de esta experiencia, he de unirle otra más.
Esta noche, en una pequeña sala de sonido incómodo, un grupo pequeño ha presentado su primer largo en concierto, titulado En defensa propia. Ellos son Un poeta en paro, un grupo al cual tuve ocasión de entrevistar hace unos meses. Esta vez, he podido participar con ellos de manera directa, ofreciendo mi violín en uno de los temas del concierto. Y realmente, tras dos días de disertación en abstracto sobre la música, el negocio, los millones de fans, el "monetizar" las iniciativas, entre otras muchas cuestiones, el contraste ha sido increíble. Un grupo de personas presentando lo que ellos saben hacer, para un público familiar: el escenario, además, enriquecido con colaboraciones especiales, músicos, amigos.
En definitiva, un clima más que agradable, donde pese a las dificultades del espacio, había algo que lo compensaba. Ese algo era la música en esencia, más allá de presupuestos, más allá de estrategias de marketing. Siendo honestos, sabemos que de la esencia no se come, y en algún momento hay que volver a bajar a la tierra. Pero experiencias como la de estos cuatro chicos son las que me hacen creer que no todo está perdido. ¿Resistirán? ¿Soportarán el cansancio? ¿Darse cabezazos contra el muro? No lo sé, pero, sea como sea, si son capaces de guardar una pequeña parte de la ilusión y las ganas que han mostrado esta noche, no podré saber cuál será su meta, pero éstoy segura de que disfrutarán en el camino.
Y desde LibertadSonora me aplico el cuento. Quizás no seamos el espacio más amplio, el más visitado ni el más trendy. Pero si con estas líneas contribuimos a que esta magia siga existiendo, valdrá la pena. Disfrutemos el camino.
Si hace unos días comentábamos algunos festivales que iban a tener lugar en tierras catalanas, hoy nos desplazamos en dirección al norte. Comentamos en las siguientes líneas una de las citas destacadas del verano para todos aquellos amantes, sobretodo, del rock: BilbaoBBK Live, del 8 al 10 de julio.
Una cosa nos llama la atención. En la web del festival, no existe el apartado "Artistas". En su lugar hallamos el indicador "Bandas". Muy pero que muy buen comienzo.
Jueves 8.Rammstein. ¿Qué decir de estos alemanes? Con un sonido potente y definido, además de una espectacularidad pirotécnica en escena, cada uno de sus conciertos supone una descarga de energía y adrenalina. La densidad de sus guitarras y lo marcial de sus ritmos se aprecia tanto en temas como "Engel" (Sensucht, 1997) o "Mein herz brennt" de su álbum Mutter (2001) como en sus últimas entregas, presentes en su álbum "Liebe ist für alle da". Siempre provocadores, su concierto promete.
[caption id="" align="alignleft" width="281" caption="Skunk Anansie en una imagen promocional"][/caption]
El mismo jueves, Skunk Anansie, un grupo de enorme personalidad, en gran parte gracias a su vocalista Skin, quien cataloga su estilo como "clit-rock", una mezcla entre heavy metal y rabia post-feminista, características perfectamente perceptibles en temas como "Weak" (1995) o su más recinete "Because of you". Tras diez años después de su separación se reúnen para presentar su grandes éxitos Smashes and Trashes. Increíbles.
No olvidemos a Slayer. De acuerdo, no es posible, así que retiro la recomendación. Ya veteranos, los que podríamos considerar como más duros del cartel, llevan en activo desde 1981, año en que debutaron con Show no mercy. Aunque su apogeo llegó con Reign in blood (1986), por muchos situado entre uno de los mejores discos de metal de la historia. Sobre la batería de Dave Lombardo, desquiciante pero perfecta en su técnica, rodarán los temas en la noche del jueves. Quizás rueden algunas cabezas...
Otros nombres de esta noche serán Rage against (con nuevo material bajo el brazo), Bullet for my valentine (nuevas tendencias en el género), Volbeat (con una voz limpia y clara sobre bases de ritmo acelerado) Anti-Flag(punk-rock americano) o Rise to Fall (la apuesta local a la noche metalera).
Viernes 9. Pearl Jam. Eddie Vedder y su particular voz, acompañados por su banda, llegan desde Seattle. Dando que hablar desde principios de los 90, se convirtieron en una de las bandas de más éxito del momento tras su debut Ten (1991), que incluía temas que quedarían en el recuerdo como "Alive" o "Even Flow". Pero afortunadamente, la cosa no quedó ahí. Los australianos de la "mermelada de la abuela de Eddie" no han parado y ahora vuelven con un nuevo álbum Backspacer. Recordemos que uno de sus puntos fuertes es su directo. ¡Imprescindibles!
Y no nos movemos de la escena grunge de los 90 con Alice in Chains. Y de nuevo a Seattle para encontrarnos con otro histórico grupo de rock bien entendido, creador de temas como "Man in the box" o "Change my brain". En esta ocasión vienen también con nuevo trabajo bajo el brazo: Black gives way to blue, editado el pasado 2009.
Bandas como The Smiths o más tarde Oasis se declararon en algún momento inflenciados por él. Él es Paul Weller, quien fuera líder de The Jam, uno de los grupos más reconocidos en la era punk de la Inglaterra de los 80. También presenta nuevo trabajo, su recién estrenado Wake up the nation.
Sábado 10. Faith no More. Banda de culto, fusionan en su propuesta elementos propios del heavy metal, del hip hop, del funk y del rock progresivo. Tras más de 25 años de carrera, siguen en activo, y pese a no haber publicado material nuevo recientemente, sólo escuchar en directo temas como Midlife Crisis o Epic deberían ser motivo suficiente como para asomarse a esta banda originaria de San Francisco.
Manic Street Preachers. De nuevo un grupo que nunca llegó a irse del todo. Con temas tan radiados y recordados como "If you tolerate this then your children will be next" (canción que no por más conocida pierde un ápice de calidad), los de Gales se han caracterizado por letras elaboradas y de carácter social. Aunque admiten haber suavizado un tanto su tono, quizás en sus letras, su último trabajo Journal for plague lovers sigue conservando su sonido propio.
¿Y qué decir de Jeff Tweedy? Su pasada actuación con Wilco en el Primavera Sound fue todo un éxito de crítica, y su apuesta en solitario no es menos interesante. Otro imprescindible.
Y para terminar, más nombres de la noche del sábado:The Maccabees, Band of Skullso Jet(no estaban muertos, estaban... por ahí. Pero son rock en estado puro!).
CONCLUSIÓN: Podríamos decir que sí: aún existe el buen rock (y no será la única muestra, como veremos en días sucesivos), y una gran ocasión para ver tanto a apuestas recientes como para revivir grandes momentos pasados o retornos inesperados es sin duda, el BBK Live.
